Marcellino Pane e Vino (diretto dall'ungherese Ladislao Vajda), uscì nel 1955 nelle sale cinematografiche.

Ricordo che allora non avevamo ancora la TV (i primi apparecchi televisivi avrebbero avuto una diffusione di massa più tardi in occasione dei Giochi Olimpici di Roma nel 1960).

Di tanto in tanto la mamma o il papà ci portavano al cinema: e questo era dunque l'unico approccio possibile con la cinematografia.

Forse, considerando l'anno di uscita, Marcellino Pane e Vino fu il mio primo film: per così dire il mio battesimo del fuoco cinematografico..

Mi ci accompagnò la mamma: non ricordo se quella volta ci fosse anche mio fratello e nemmeno se ci fossero altre adulti e miei coetanei.

Dal film fui molto colpito, tanto che ancora oggi quando ne rivedo alcune scene topiche ora da adulto, piango tuttora come un vitello. 

Le emozioni di allora furono facilitate, allora, probabilmente da una totale identificazione con il protagonista della storia: pablito Calvo all'epoca in cui venne scelto come attore-protagonista, aveva 6 anni, esattamente gli anni che avevo io quando fui portato al cinema. E anche adesso, nel vedere le sequenze topiche del film, devo dire che mi sembra di vedere me stesso bambino: un film a grande impatto, dunque.

Ma non ricordo che tornati a casa dopo il film con la mamma ci siamo soffermati a parlare di emozioni o comunque di qualcosa che vi fosse in qualche misura correlato (ma quando ero piccoli, i discorsi sulle emozioni non erano quasi mai percorsi).

Le emozioni scaturiscono (a rivedere le sue scene ancora fresche a distanza di oltre 60 anni) dal fatto che la storia è raccontata in toni lievi, senza mai calcare la mano su eventi sovrannaturali, e anzi con un certo piglio realista.
Una narrazione scarna ed essenziale, arricchita (e non depauperatoa) dall'uso del bianconero che rende più profondi ed intensi gli aspetti della vicenda metaforici ed allegorici (come il numero quasi magico dei dodici fraticelli del convento che adottano il bambino esposto, cui viene dato in battesimo il nome di "Marcellino" perché è stato trovato proprio nel giorno dedicato a San Marcellino).
Dopo aver visto il film, la mamma mi regalò anche il libro da cui il film era stato tratto.

(da Wikipedia) Marcellino pane e vino (Marcelino pan y vino) è un film del 1955 diretto da Ladislao Vajda, presentato in concorso all'8º Festival di Cannes.
Il protagonista del film, Pablito Calvo, all'epoca aveva solo sei anni.
Nel 1958 il protagonista del film Pablito Calvo recitò in un film con Totò che sin dal titolo richiamava al film spagnolo (Totò e Marcellino, diretto da Antonio Musu).
Al protagonista del film è dedicata la canzone omonima che sarà interpretata negli anni della sua maggiore fama da Gigliola Cinquetti, memore, come lei stessa disse, delle emozioni che il film le procurò quando, bambina di otto, nove anni, lo vide per la prima volta.
Nel 2011, l'album che contiene tale canzone, Gigliola per i più piccini, è stato ripubblicato in formato CD da Warner Music Italia per l'etichetta Rhino Records (EAN 5052498572953).

Il film è tratto dal romanzo di José María Sánchez Silva "Marcelino Pan Y Vino".

Nel giorno di San Marcellino, in Spagna, un frate francescano si reca in paese per andare a visitare una bambina gravemente malata, mentre tutto il paese sta salendo la collina per andare al convento sulla tomba di San Marcellino; il frate inizia a raccontare la storia del convento e di Marcellino. Finita la sanguinosa guerra combattuta tra francesi e spagnoli, tre frati francescani chiedono al sindaco, Don Emilio, di poter riassestare il vecchio castello per riadattarlo a convento; il sindaco dà il consenso e tutta la popolazione aiuta i tre frati nell'intento. Dopo poco tempo il convento è costruito ed inaugurato.
Una mattina però, il frate portinaio trova alla porta un cestino con dentro un neonato che piange, poiché ha fame e sete; i frati lo battezzano e gli danno il nome di Marcellino, poiché è il giorno di San Marcellino. I frati vorrebbero affidarlo a qualche famiglia, ma nessuno è in grado di mantenere un altro figlio, viste le condizioni di miseria in cui viveva la popolazione spagnola. Marcellino diventa un bambino di cinque anni robusto e forte e tratta tutti e dodici i frati come dodici padri, ma sente molto la mancanza di una figura materna, infatti fa ai frati molte domande sulle mamme.
Portato da un fraticello alla fiera paesana, distrugge la fiera; così il nuovo sindaco, da sempre contrario all'opera di bene fatta da Don Emilio, emette uno sfratto ai danni dei frati. Un giorno Marcellino, disubbidendo a frate Tommaso (chiamato da Marcellino "Fra Pappina"), trova un crocifisso, vedendo che è molto magro immagina che abbia fame e decide di portargli da mangiare e da bere: il crocifisso si anima per ricevere il pasto offerto e gli rivolge anche la parola; avendo trovato nella fretta solo pane e vino, lo dà a Gesù, che lo soprannomina Marcellino Pane e Vino.
Pochi giorni prima dello sfratto Marcellino va a parlare con Gesù delle mamme, ed esprime il desiderio di vedere la sua mamma e dopo anche la Madonna, al che Gesù fa morire Marcellino e lo manda in cielo a conoscere i genitori. Frate Tommaso che aveva visto il miracolo chiama tutti i frati al cospetto del Signore a vedere Gesù che scende dalla croce per far morire (resuscitare) Marcellino per poi risalirvi.
Tutta la gente del paese corre a vedere il miracolo e ogni anno la popolazione si reca sulla tomba di Marcellino Pane e Vino in segno di rispetto.

(Maurizio Crispi) Youth. La giovinezza, ultima fatica di Paolo Sorrentino (2015, nomination "Palma d'Oro", al festival di Cannes 2015) ci trasporta nel mondo della senilità in cui tuttavia gli opposti in qualche misura collidono.
La vecchiaia porta alcune persone, particolarmente dotate a vivere vieppiù nella loro giovinezza che è fatto di ricordi apparteneti al passato ma che può anche arricchirsi di nuove esperienze nel presente.

Siamo in un lussuoso resort climatico a Davos, in Svizzera: un luogo per ricconi e per agiati pensionati che vengono qui di anno in anno per rilassarsi, per fare bagli termali, per sottoporsi a check-out clinici completi e approfonditi, per svagarsi grazie a serate in cui sono programmati spettacoli diversi ed interessanti, per godere dell'ottima e raffinata cucina.

Qui, interagiscono alcuni personaggi, l'ottantenne Fred Ballinger, musicista, direttore d'orchestra e compositore di grande valore, la cui fama "popolare" è legata soprattutto alle sue "Canzoni semplici" e oggi in pensione e deciso a rimanere in questa condizione di "pensionato dello spirito", il coetaneo Mick Boyle un regista hollywoodiano che lavora con il suo staff di creativi alla sceneggiatura di quello che sarà il suo prossimo ed ultimo film ("L'ultimo giorno della mia vita"), che per lui dovrà essere un vero e proprio canto del cigno ed un testamento spirituale, Jimmy Tree un attore quarantenne che vive un singolare ritiro per mettere a punto i dettagli di una parte che gli è stata affidata in un film di imminente realizzazione e per calarsi meglio nel personaggio che dovrà interpretare.

E, naturalmente, attorno a questi due tre personaggi-chiave ruota una miriade di altri che, in un modo o nell'altro, ai tre vengono a legarsi, a volte anche solo come oggetti della loro osservazione disincantata, ironica, a volte tragica oppure come veicoli di rappresentazione allegorica di aspetti dell'esistenza.

I due meditano sulla vecchiaia, sul senso della loro amicizia cinquantennale. E sono, tra l'altro, legati da un vincolo di parentela acquisita, visto che Julian, figlio del cineasta, ha sposato Lena, figlia del musicista, con la complicazione di una rottura del matrimonio tra i due, scoppiata all'improvviso come un temporale a ciel sereno: ma le tempeste emozionali sono terreno fertile per il cambiamento e stimolano una riflessione coraggiosa sui temi portanti della propria vita. E le loro conversazioni oscillano di continuo tra le miserie della vecchiaia (epitomizzate nelle gocce di pipì che ciascuno di loro riesce a spillare faticosamente ogni giorno) e la nobiltà dei loro creazioni artistiche del passato (Ballinger) o degli sforzi nel presente di dare vita ad una grande opera (Boyle).

Parlano, passeggiano, si confessano reciprocamente piccoli segreti e dichiarano le loro riflessioni sul mondo, dicendo dei loro sogni e dei loro turbamenti.

Il tutto avviene in un montaggio frammentario ed onirico, in cui alla lentezza infinita della vita quotidiana infarcita di momenti rituali e "curativi", di conversazioni vacue o profonde, di rievocazioni, si contrappongono improvvise velocizzazioni e caleidoscopici, rutilanti, inserti, sprazzi d'una percezione che si rifà vivace e acuta o dell'emergere di inquietudini interiori.

Il distacco dal mondo, realizzato nel lussuoso hotel, che, atratti, sembra assumere i connotati di un universo concentrazionario ed omologante (con un'apparenza di "dorata prigione"), viene turbato dal fatto che un emissario della regina d'Inghilterra, Elisabetta, raggiunge Ballinger nel suo isolamento volontario per rappresentargli la volontà della Regina che, in occasione del compleanno del consorte Filippo, Duca di Edimburgo, Ballinger torni a dirigere a Buckingham Palace un'orchestra e un famoso soprano per mettere in scena proprio il repertorio delle sue "Canzoni Semplici".

Ballinger, dopo molti ed intransigenti rifiuti, finisce per accettare, una volta che riesce a dissipare i "motivi personali" che lo spingerebbero a non tornare a dirigere, specie per mettere in scena le "canzoni semplici": e dietro di essi si nasconde una tragica verità.

Vi è una lunga - a volte estenuante - riflessione sulla vecchiaia e sui limiti che un corpo vecchio ed imbruttito impone allo spirito, nel confronto con corpi giovani e sinuosi, o conmenti flessibili e ancora non nel pieno della loro potenzialità creativa: a questo riguardo, è emblematica la condizione di quello che un tempo fu un grande sportivo, ora ospite in incognito del Centro termale, che - con grande fatica e mentre non è visto da nessuno - si lancia in una sperimentazioni di virtuosismi con una pallina da tennis, rivelando che un tempo dietro la massiccia obesità e il grottesco ventre rigonfio a dismisura, si nasconde il grande calciatore di un tempo (non saprei: ma questo personaggio mi ha fatto pensare a Diego Armando Maradona: e, in effetti, vuole essere un rimando proprio a lui, benchè si tratti solo di un sosia!).

Irriconoscibile, obeso, costretto a camminare con un bastone, compare di tanto in tanto in momenti che sono vere e proprie chicche talvolta addirittura comiche. A un certo punto si rivolge a un bambino che suona il violino con la mano sinistra dicendogli: "Anche io sono mancino".
Il commento del suo dirimpettaio è: "Ma, cavolo, tutto il mondo sa che siete mancino...!". 
Sorrentino, da sempre innamorato calcisticamente di Maradona, leader del suo Napoli che ha vinto tutto nell'era Ferlaino, dopo avergli dedicato l'Oscar, lo ha voluto omaggiare in "Youth" e non poteva perdere l'occasione per farlo esibire in un palleggio: l'ex campione, in boxer, enorme, obeso, che si regge a malapena in piedi, si esibisce con una palla da tennis.

Nell'atmosfera rarefatta che si respira nel Centro termale si intravede l'estraniamento dal mondo de "La Montagna incantata" di Thomas Mann (non è un caso che lo Schatzalp Hotel di Davos sia lo stesso citato da Mann nel suo romanzo) , in cui il rifugio di cura viene rappresentato come una sorta di limbo in cui si è confinati, rispetto al mondo e dove tutto rimane come sospeso: un isolamento che, per un tragico paradosso, è in realtà volontario e autoinflitto, in sostanza un'autoreclusione.

Ma, nella storia, c'è anche il potere vivificante della "giovinezza" come "ricordo" che si allontana nel passato sempre più distante e irraggiungibile, ma che talvolta sdi manifesta nella freschezza di una risata, in un improvviso guizzo ironico o nella battuta salace che è la giovinezza ancora presente in un corpo vecchio e stanco.

E, sopratutto, vi si ritrova il potere altrettanto rigenerante - e direi anche trasfigurante - dell'arte e della bellezza, quando si entra di nuovo nello stato d'animo in cui si può tornare a ripetere per la gioia degli altri un atto creativo che vivifica gli altri astanti, ma che, abbattendo straficazioni di cinismo, di indifferenza, di barriere contro il dolore, torna a vivificare e ad accendere l'animo dell'artista che un tempo ha creato e che adesso si è messo - per così dire - in pensione.

L'idea è che anche nel percorso di senescenza si possano attivare dei percorsi formativi e trasformativi e che la vitalità possa rimettersi in moto sulla base di riaccensioni emozionali e sanamente narcisistiche, oppure con la rimozione di blocchi che hanno portato ad una forma di auto-mortificazione dello spirito.

Il giovane attore Jimmy Tree, come anche la figlia di Ballinger Lena, sono i rappresentanti della giovinezza perduta, ma anche i testimoni della capacità creativa della generazione che li ha preceduti oltre che la ragione di essere di padri e madri che si sono impegnati, in passato, in un gesto creativo.

L'espressività artistica rimane sempre come un bagaglio universale e è un dovere morale poterla perpetuare e soprattutto rappresentare: l'artista, qualunque sia la modalità artistica che egli predilige, ha bisogno di un suo pubblico per dare vigore e vitalità alle proprie opere.

Non si possono non apprezzare un grandissimo Michael Caine nei panni di Ballinger e un altrettanto grande Harvey Keitel (Mick Boyle), ma anche l'interpretazione di Paul Dano, nei panni dell'attore "trasformista" che per interpretare un personaggio deve perdere se stesso, salvo al limite a rifiutarsi di essere altro da sé: non recitare più per tornare ad essere se stesso. Per non parlare della parte cameo di Jane Fonda nei panni dell'attrice di successo Brenda Morel.
Efficace, evocativa, pertinente, a tratti emozionante la colonna sonora, curata da David Lang, che - per tutta la durata del film accompagna lo spettatore/lettore in un'ampia gamma di cromatismi emozionali che oscillano dai tributi alla moderna musica pop alle forme eccelse, per quanto esplorative, di classicità.

Le riprese di Youth. La giovinezza sono avvenute nel 2014 principalmente a Flims e Davos in Svizzera, con alcune scene girate in Italia (Roma e Venezia) e Regno Unito (Londra).

A dicembre, mentre era in corso il montaggio, il teaser è stato mostrato in anteprima alle Giornate Professionali di Cinema di Sorrento.

Lo Schatzalp Hotel di Davos è lo stesso citato da Thomas Mann nell'opera La montagna incantata.[4]
Il film è prodotto da Nicola Giuliano, Francesca Cima e Carlotta Calori e co-prodotto da Indigo Film, Pathé, Bis Films, RSI, C-Film, Number 9 Films e Medusa Film.
L'uscita del film nelle sale cinematografiche è stata fissata per il 20 maggio 2015, a due anni esatti dall'uscita del precedente film di Sorrentino, La grande bellezza.
Youth. La giovinezza è il secondo film girato da Sorrentino direttamente in Inglese, dopo This must be the Place.

(Maurizio Crispi) Focus. Niente é come sembra (dei cineasti Glenn Ficcarra e John Requa, USA, 2015) è un bel film, divertente ed agile, sulla frode: uno squarcio sulla vita di un abilissimo truffatore Nicky Spurgeon (Will Smith) e di Jess Barrett (Margot Robbie), una bella donna, talentuosa truffatrice ma che aspira ad essere parte del big game di Nicky .

La frode e l'inganno eretti ad attività lavorativa sono parenti stretti della prestidigitazione.
Truffa (e furto con destrezza) sono delle attività illecite,mentre la prestidigitazione è una forma di spettacolo. Ma entrambe le attività sonoo basate sullo stesso principio o su alcuni principi di base).
Uno di qum/writesti è quello di costringere il tuo interlocutore, cioà colui che dovrà essere ingannato (o fuorviato) a polarizzare la sua attenzione su qualche cosa che tu stai facendo, facendo ritienere che quella sia la cosa importante da guardare, mentre intanto tu, inosservato, porti avanti il trucco principale.
Niente è come appare, dunque. Anche il fatto che ci siano dei complici segreti di cui altri complici nn sanno nulla: per essere credibile il truffatore deve ignorare alcuni pezzi di verità, per potere portare avanti indistirbuto e con efficacia la propria messinscena.

Se hai a che fare con truffatore, le cose non stanno mai nel modo in cui appaiono, ma dietro di essa c'è una verità nascosta che soltanto il truffatore (o il prestigiatore conosce): come del resto attraverso la presentazione di una nutrita serie di celebri casi di truffe e inganni ci mostra nelsuo libro, Domenico Vecchioni.

Non a caso, proprio per queste sue abilità, il celebre Houdini venne più volte chiamato a svolgere corsi di addestramento rivolti agli agenti della Polizia Metropolitana di New York e dei Corpii di Polizia di altre capitali del mondo, poichè da abilissimo prestidigitatore e da escapista egli era in grado di insegnare le tecniche base utilizzate dai truffatori e le loro abilità nascoste per metter ein atto eventuali fughe.

Il film si presenta con una serie di rocambelesche e divertenti sequenze in cui inganni e frodi vengono perpetrati in una realtàparallelaa quella in cui si muovono poliziotti e tutori della legge. Nicky e la sua banda sono abilissimi e non si fanno mai pizzicare: e poi che importa quando le frodi più succulente, quelle che si muovono negli scenari frequentati dai grandi ricconi, sono a carico di vilain i cui capitali sono stati accumulati in maniere poco ortodosse?

Il film sembra darci la lezione morale che il delitto in alcuni casi paga.

L'importante è fare in modo che assomigli sempre a qualcosa d'altro e che possa diventare - se è lecito usare questa espressione - una forma d'arte.
In fondo, è tutto qui il segreto del fascino del "ladro gentiluomo", che venne per la prima volta incarnato da Arsenio Lupin.
 

Scheda del film

Un film di Glenn Ficarra, John Requa.

Interpreti principali: Will Smith, Margot Robbie, Rodrigo Santoro, Gerald McRaney, B.D. Wong., Adrian Martinez, Laura Flannery, Stephanie Honore, Griff Furst, Dominic Fumusa, Candice Michele Barley, Don Yesso, Brennan Brown, Joe Chrest, Olga Wilhelmine, Han Soto, Stephanie McIntyre, Kate Adair, David Jensen

Titolo originale Focus.

Genere: Thriller,

Ratings: Kids+13

Durata 104 min. Origini:

USA 2015. - Warner Bros Italia

(Maurizio Crispi) Sembra che la missione di regista di Sergio Castellitto come regista sia ormai quella di fare film dai romanzi di successo scritti dalla moglie Margaret Mazzantini. Oppure, si potrebbe pensare che la Mazzantini produca romanzi, perchèil marito possa avere materiale da cui realizzare dei film.
Nessuno si salva da solo è il nuovo e recentissimo parto della premiata ditta: sia come sia è il prodotto di una coppia. E questopotrebbe essere un dato interessante,visto che poi gran parte dei romanzi (e dei film che ne sono discesi)parlano appunto di coppie e dei loro critici equilibri, punti di arresto, evoluzioni ed involuzioni.
può immaginare che lacoppia Castellitto/Mazzantini sia una coppia affiatata e stabile e che forse proprio attraverso questaproduzione letteraria e cinematografica i due trovino il modo di elaborare i propri personali momenti critici (verrebbe di immaginare questo, poichè - altrimenti - tutto si ridurrebbe a puro mestiere che gioca con i sentimenti dei fruitori, lettori o spettatori che siano.
Nessuno si salva da solo come film rispecchia in tutto e per tutto l'omonimo romanzo e dunque parlare del film è anche un modo per parlare del romanzo: Gaetano e Delia, ancora freschi di rottura, una rottura che non è ancora spearazione definitiva, si incontrano per condividere una cena in un ristorante (territorio neutrale) e per parlarsi. Da questa cena che si protrae a lungo (con una coda dopo l'uscita dal ristorante e con l'incontro con un personaggio che avrà una funzione catalizzatrice, anzi con una coppia anziana e navigata) scaturiranno deegli esiti e delle nuove possibilità: forse non tutto è perduto, e si riapre la possibilità di ricostituire una famiglia che si è spezzata. Ma solo il tempo potrà decretare l'esito di questa storia di coppia: il film congeda gli spettatori lasciando intuire loro delle possibili soluzioni, anche se il regista propende per quella più ottimistica (pur considerando il fatto che, per ripartire, ci vorrà del tempo).

Questo per quanto concerne i contenuti.

Dal punto di vista formale, invece, il film è costruito con una tecnica di flashback che raccontano la stroia naturale della coppia Gaetano/Delia, mentre è in corso la cena che avrà un ruolo cruciale nel ristabilirsi degli equilibri matrimoniali o che decreterà una definitiva separazione.

La conversazione tra i due ha la qualità della recitazione teatrale nell'unità di tempo e spazio che è data dalla sala del ristorante, dove gli altri clienti vanno in dissolvenza, ad eccezione di qualche sprazzo di attenzione.

Attraverso i continui flashback, invece, lo spettatore può rivisitare in modo quasi cronologico l''evoluzione della coppia, dagl inizi sino alla tempestosa rottura, con tutte le vicende collegate alla crescita di un nucleo familiare, l'arrivo dei figli e dei problemi inevitabilmente connessi che, continuamente,impongono nella storia fisiologica di un matrimonio dei riaggiustamenti, dei compromessi, delle negoziazioni per andare avanti.

Tutto qui,

Potrà piacere o non piacere.

Piacerà di sicuro a coloro che amano i romanzi della Mazzantini, perchè sono facilmente preda della seduzione dell'esplicitazione di tormentati sentimenti.

Di meno, probabilmente, a quelli che non apprezzano la messa in scena del ruffianesco gioco delle emozioni che faccia leva sulla loro sensibilità di spettatori.

Come in altri film scaturiti dal tandem Mazzantini/Castellitto si nota che vi è un'infarcitura di cose e di eventi, una sorta di "prosopea", come se ci fosse la necessità di mettere dentro un po' di tutto per creare un  maggiore (come ad esempio l'accenno all'edulcorata anoressia di Delia oppure a quelli che si profilano come possibili problemi dell'identità sessuale del figlio maggiore, o ancora il cancro del padre di gaetano che influisce sul rapporto idilliaco della matura coppia di genitori, nostalgici degli hippieggianti anni Sessanta.
Ma, lo spettatore accorto, di necessità deve porsi il problema di casa sia l'amore veramente e di cosa siano fatti i rapporti di coppia, soprattutto quando si costruisce una famiglia e nascono i figli. Passata la tempesta della passione amorosa e sensuale degli inizi, quando la condizione "amorosa" è in statu nascendi (una ocndizione simile, a tutti gli effetti, ad una piccola rivoluzione), tutto si polarizza sulla routine quotidiana fatta di piccole e grandi abitudini, routine che si accentua ancora di più quando arrivano i figli: e nei due partner che siano accorti e capaci di relazionarsi con il mondo da adulti responsabili e non da bimbi richiedenti, le velleità, i sogni, le aspirazioni, a questo punto, devono in parte recedere per lasciar posto ai figli che diventano l'esigenza prioritaria, anche a costo di sacrifici e rinuncie.
E' il punto in cui il matrimonio diventa, senza ombra di dubbio, un'impresa familiare, nella quale occorre investire ogni energia: salvo a voler fare marcia indietro e ritornare allo stato adolescenziale, in cui tutto è possibile, tutto può ancora accadere.
E il punto di transizione dall'amore passionale alla condizione di impresa familiare è quello, appunto, in cui possono verificarsi le fratture e i colpi di testa, soprattutto, quando uno dei due partner rimane legato ai suoi schemi adolescenziali.
L'eventuale rottura può essere ricomposta soltanto se ciascuno dei due "contraenti" fa un passo indietro rispetto a certe proprie esigenze ed un passo verso l'altro rispetto alle esigenze implicitamente espresse dal partner. E', in altri termini, il tempo delle negoziazioni e dei compromessi, quando si riconosce che è un valore e un arricchimento per entrambi, continuare a stare assieme e ad andare avanti in due (e con i propri figli). E, in effetti, la conversazione tra Delia e Gaetano durante la loro lunga notte di chiarificazioni, prima al ristorante e poi per strada, sembra avere il carattere d'una delicata trattativa diplomatica (anche se, nella filigrana, s'intravede un'esplicitazione di sentimenti, a volte timidi e delicati, pronti ad andare in frantumi al minimo sussulto, e altre volte tempestosi e violenti).
Insomma, da questo punto di vista, il film si presenta come un piccolo manuale sulla storia naturale di un matrimonio e come un "racconto di formazione".
Ma forse da un'opera cinematografica ci si attenderebbe di più che non un semplice intento didascalico.
 

Il romanzo. Il film è tratto dall'omonimo romanzo di Margaret Mazzantini (Mondadori, 2011), Nessuno si salva da solo, che è la storia di una crisi sentimentale di una coppia, Delia e Gaetano.

Entrambi prossimi ai “quaranta”, i due si ritrovano faccia a faccia, ancora freschi di rottura, durante una cena in un ristorante.

L’esito del loro amore, i due figli Cosmo e Nico, sono rimasti a casa con Delia: per i due la cena sarà l’occasione per confrontarsi l’uno con l’altra ripercorrendo passioni e rabbia intercorsi negli anni del loro rapporto.
Entrambi in bilico fra la voglia di pace e la seduzione dell’altrove e dell’altro.

(dal risguardo di copertina) Delia e Gaetano erano una coppia. Ora non lo sono più, e stasera devono imparare a non esserlo. Si ritrovano a cena, in un ristorante all'aperto, poco tempo dopo aver rotto quella che fu una famiglia. Lui si è trasferito in un residence, lei è rimasta nella casa con i piccoli Cosmo e Nico. La passione dell'inizio e la rabbia della fine sono ancora pericolosamente vicine. Delia e Gaetano sono ancora giovani, più di trenta, meno di quaranta, un'età in cui si può ricominciare. Sognano la pace ma sono tentati dall'altro e dall'altrove. Ma dove hanno sbagliato? Non lo sanno. Tre anni dopo "Venuto al mondo", Margaret Mazzantini torna con un romanzo che è l'autobiografia sentimentale di una generazione. La storia di cenere e fiamme di una coppia contemporanea con le sue trasgressioni ordinarie, con la sua quotidianità avventurosa. Una coppia come tante, come noi. Contemporaneamente a noi.

(Recensione IBS) «Stasera lo sa. Le persone dovrebbero lasciarsi prima di arrivare a quel punto. Dove sono arrivati loro. Perché poi ti resta addosso troppo male».
Scava nella coppia Margaret Mazzantini in questo nuovo romanzo. Scava brutalmente nel rapporto di una coppia che non vuole più essere tale, che dopo un grande amore vive una grande separazione. Una scrittura forte e intensa, come è nelle corde dell’autrice di Venuto al mondo e Non ti muovere, che scaraventa in faccia al lettore sentimenti squartati, corpi disuniti, volti stanchi, anime distrutte. Sono quelle di Delia e Gaetano, i due protagonisti ancora giovani, puri e rabbiosi, pronti a duellare sul ring dell’amore perduto, - «due ragazzi, si direbbe a vederli passare nei vetri di una macchina parcheggiata» -, da poco tempo divenuti genitori.
Chi si è separato lo sa, chi non l’ha fatto può immaginarlo. Può immaginare quanto sia doloroso, faticoso, a volte esaltante e in altri momenti terribilmente deprimente la separazione. Specie se non avviene da un momento all’altro, specie se è frutto di giorni, mesi, anni di logoramento, di disfacimento, di emotività negativa che volge al peggio. Specie se i sentimenti che restano sono incerti e se il legame mantiene una sua forza, anche incomprensibile, ma pericolosa: «è facile distrarsi, non sapere più a che punto della vita sono».
Proteggere i figli - «non voglio che somiglino a noi... voglio che siano migliori... ma ho paura che finiranno per assomigliarci» - cercare un equilibrio che permetta a tutti di vivere serenamente. Non è facile, ci saranno altre donne e altri uomini, ma non è facile. Si parlerà di soldi, mantenimento, affido, case, mobili, ma tangenzialmente rispetto ai sentimenti che restano, in modo a volte straziante, al centro della scena. Nessuno si salva da solo, appunto, nemmeno Delia e Gaetano.
Questa storia di un amore accartocciato potrebbe essere una commedia dark all’italiana, adatta alla trasposizione cinematografica. È già successo con il romanzo Non ti muovere e non è casuale: la scrittura della Mazzantini - hanno scritto i critici - «tira la lingua via dalle parole verso un altro genere di comunicazione». Anche in queste pagine la lingua del romanzo è brusca, a tratti brutale, vuole assomigliare il più possibile alla vita vera: le frasi spesso sono tagliate, i dialoghi lasciati a metà, in certi passaggi cala un velo di freddezza, in altri trasuda la rabbia.
L’autrice, in una recente intervista, ha dichiarato: «Dopo l’epopea straziante sulla guerra a Sarajevo, volevo scrivere una storia minimale: due trentenni, una cena storta malgrado il buon vino, il corpo morto del loro amore sul tavolo. L’infelicità coniugale». E come sempre, ci è riuscita al meglio.

Scheda film

Un film di Sergio Castellitto.

Interpreti principali: Riccardo Scamarcio, Jasmine Trinca, Anna Galiena, Marina Rocco, Massimo Bonetti, Massimo Ciavarro, Renato Marchetti, Valentina Cenni, Eliana Miglio

Genere: drammatico,

Durata 100 min. -

Origine: Italia 2015. - Universal Pictures

Uscita giovedì 5 marzo 2015.

(Maurizio Crispi) Into the Woods è un film del 2014 diretto da Rob Marshall, basato sull'omonimo musical di Stephen Sondheim a sua volta ispirato da celebri fiabe tradizionali come Cenerentola  (Cinderella), Cappuccetto Rosso (Little red Riding Hood) e Raperonzolo (Rapunzel) dei Fratelli Grimm e Jack e la pianta di fagioli.

Il film intreccia le trame di alcune racconti dei fratelli Grimm e le estende per scoprire le conseguenze dei desideri e delle missioni dei personaggi: infatti Into the Woods è una storia sui desideri, come dichiarano nell'incipit tutti i personaggi che interagiranno nel corso del film: I wish, è il refrain che ciascuno di loro canta, specificando l'oggetto del proprio desiderio. Per la coppia di fornai è quello di avere un figlio; per la vecchia strega è quello di tornare ad essere una donna giovane e bella, rompendo l'incantesimo cui essa stessa é sottoposta; per Cappuccetto Rosso quello di occuparsi della Nonna ed intanto mangiare tutti i dolci che vuole senza restrizioni; per il giovane mugnaio e l madre il desiderio è quello di uscire dalle ristrettezze economiche e poter avere una vita decente, per Cenerentola il desiderio è quello di poter essere trattata con maggiore gentilezza e di potere andare anche lei al Dancing Festival al castello del principe; per Rapunzel, infine, il desiderio è quello di poter uscire dalla sua prigione dorata ed essere salvata da un bel principe.
L'originalità del film  (e, prima, del lavoro teatrale) a cui il film si ispira si basa su questi elementi: il fatto che protagonisti di fiabe diverse si trovano ad intragire tra loro, come se fossero tutti quanti abitanti di un unico - fiabesco, è proprio il caso di dirlo, mondo alternativo -  quello che tutto si gioca sul filo del desiderio (persino quello della strega che vuole annullare gli effetti dell'incantesimo che l'ha fatta diventare tale, facendole perdere le sembianze di bella donna) e sugli effetti inattesi che può avere per ciascuno l'esaudimento dei propri desideri.
Ma oltre a ciò, Into the Woods si presenta con uno sguardo innovativo sulle fiabe edulcorate alla Disney, nel senso che si sviluppa in due diverse fasi: la ricerca dell'esaudimento del desiderio e per ciaascuno il superamento di una prova che richiede, a seconda, determinazione o coraggio o abnegazione o altruismo, e la celebrazione della buona sorte. Ma quando tutto sembra essere prossimo al compimento con un "E vissero felici contenti", arriva il rivolgimento e la storia prende a svilupparsi lungo un'inattesa direzione che per un attimo lascia lo spettatore spiazzato, anche perchè qualcuno immeritatamente muore, come - ad esempio - la moglie del fornaio (Emily Blunt), cosa che - nelle fiabe - non dovrebbe mai accadere; oppure il bel principe che ha sposato Cinderella mpstra chiaramente di preferire altre avventure, rispetto alla fedeltà coniugale che ci si attenderebbe.

E' un musical di nuova generazione, in cui il canto è recitazione, nel senso che in modo naturale dal parlato si passa al recitato con efasi e al cantato. Ma senza alcuna coreografia di balletto, come era nei muical anni '60.
Gli attori sono tutti spaventosamente bravi a partire dal "mostro sacro" Meryl Streep così terribilmente in ogni parte si trovi a recitare da risultare quasi antipatica, per arrivare ad Anna Kendrick (nella parte di Cenerentola, già molta conosciutape ril suo ruolo in "Once"), o a Daniel Huttlestone nei panni del mugnaio Jack (bravissimo nel canto), a a Johnny Depp che interpreta un sornione Lupo: e le voci del canto sono quelle degli stessi attori, che per questo motivo risultano essere ancora più bravi.
Il film è pienamente godibile e non si generanomomenti di noiua o di stanchezza. Si rimane incollati alle poltrone, anche perchè il regista riesce a fornire in contemporanea una serie di informazioni incredibile, essendo intrecciate assieme tante storie diverse che generano dal loro sovrapporsi un'unica storia complessa.

(Trama, da Wikipedia) Quando un panettiere e sua moglie si rendono conto che non possono avere figli, perché maledetti da una strega, intraprendono un viaggio nel bosco per trovare gli oggetti necessari per rompere l'incantesimo e iniziare una famiglia. Il film è legato insieme dalla storia originale del fornaio e sua moglie, dalla strega che ha lanciato loro una maledizione e dalla loro interazione con gli altri personaggi delle fiabe durante il viaggio. Quello che inizia come un vivace e irriverente fantasia musicale alla fine diventa una storia significativa sulle responsabilità, sui problemi che nascono dai desideri e sull'eredità che lasciamo ai nostri figli.