(Maurizio Crispi) Sembra che la missione di regista di Sergio Castellitto come regista sia ormai quella di fare film dai romanzi di successo scritti dalla moglie Margaret Mazzantini. Oppure, si potrebbe pensare che la Mazzantini produca romanzi, perchèil marito possa avere materiale da cui realizzare dei film.
Nessuno si salva da solo è il nuovo e recentissimo parto della premiata ditta: sia come sia è il prodotto di una coppia. E questopotrebbe essere un dato interessante,visto che poi gran parte dei romanzi (e dei film che ne sono discesi)parlano appunto di coppie e dei loro critici equilibri, punti di arresto, evoluzioni ed involuzioni.
può immaginare che lacoppia Castellitto/Mazzantini sia una coppia affiatata e stabile e che forse proprio attraverso questaproduzione letteraria e cinematografica i due trovino il modo di elaborare i propri personali momenti critici (verrebbe di immaginare questo, poichè - altrimenti - tutto si ridurrebbe a puro mestiere che gioca con i sentimenti dei fruitori, lettori o spettatori che siano.
Nessuno si salva da solo come film rispecchia in tutto e per tutto l'omonimo romanzo e dunque parlare del film è anche un modo per parlare del romanzo: Gaetano e Delia, ancora freschi di rottura, una rottura che non è ancora spearazione definitiva, si incontrano per condividere una cena in un ristorante (territorio neutrale) e per parlarsi. Da questa cena che si protrae a lungo (con una coda dopo l'uscita dal ristorante e con l'incontro con un personaggio che avrà una funzione catalizzatrice, anzi con una coppia anziana e navigata) scaturiranno deegli esiti e delle nuove possibilità: forse non tutto è perduto, e si riapre la possibilità di ricostituire una famiglia che si è spezzata. Ma solo il tempo potrà decretare l'esito di questa storia di coppia: il film congeda gli spettatori lasciando intuire loro delle possibili soluzioni, anche se il regista propende per quella più ottimistica (pur considerando il fatto che, per ripartire, ci vorrà del tempo).

Questo per quanto concerne i contenuti.

Dal punto di vista formale, invece, il film è costruito con una tecnica di flashback che raccontano la stroia naturale della coppia Gaetano/Delia, mentre è in corso la cena che avrà un ruolo cruciale nel ristabilirsi degli equilibri matrimoniali o che decreterà una definitiva separazione.

La conversazione tra i due ha la qualità della recitazione teatrale nell'unità di tempo e spazio che è data dalla sala del ristorante, dove gli altri clienti vanno in dissolvenza, ad eccezione di qualche sprazzo di attenzione.

Attraverso i continui flashback, invece, lo spettatore può rivisitare in modo quasi cronologico l''evoluzione della coppia, dagl inizi sino alla tempestosa rottura, con tutte le vicende collegate alla crescita di un nucleo familiare, l'arrivo dei figli e dei problemi inevitabilmente connessi che, continuamente,impongono nella storia fisiologica di un matrimonio dei riaggiustamenti, dei compromessi, delle negoziazioni per andare avanti.

Tutto qui,

Potrà piacere o non piacere.

Piacerà di sicuro a coloro che amano i romanzi della Mazzantini, perchè sono facilmente preda della seduzione dell'esplicitazione di tormentati sentimenti.

Di meno, probabilmente, a quelli che non apprezzano la messa in scena del ruffianesco gioco delle emozioni che faccia leva sulla loro sensibilità di spettatori.

Come in altri film scaturiti dal tandem Mazzantini/Castellitto si nota che vi è un'infarcitura di cose e di eventi, una sorta di "prosopea", come se ci fosse la necessità di mettere dentro un po' di tutto per creare un  maggiore (come ad esempio l'accenno all'edulcorata anoressia di Delia oppure a quelli che si profilano come possibili problemi dell'identità sessuale del figlio maggiore, o ancora il cancro del padre di gaetano che influisce sul rapporto idilliaco della matura coppia di genitori, nostalgici degli hippieggianti anni Sessanta.
Ma, lo spettatore accorto, di necessità deve porsi il problema di casa sia l'amore veramente e di cosa siano fatti i rapporti di coppia, soprattutto quando si costruisce una famiglia e nascono i figli. Passata la tempesta della passione amorosa e sensuale degli inizi, quando la condizione "amorosa" è in statu nascendi (una ocndizione simile, a tutti gli effetti, ad una piccola rivoluzione), tutto si polarizza sulla routine quotidiana fatta di piccole e grandi abitudini, routine che si accentua ancora di più quando arrivano i figli: e nei due partner che siano accorti e capaci di relazionarsi con il mondo da adulti responsabili e non da bimbi richiedenti, le velleità, i sogni, le aspirazioni, a questo punto, devono in parte recedere per lasciar posto ai figli che diventano l'esigenza prioritaria, anche a costo di sacrifici e rinuncie.
E' il punto in cui il matrimonio diventa, senza ombra di dubbio, un'impresa familiare, nella quale occorre investire ogni energia: salvo a voler fare marcia indietro e ritornare allo stato adolescenziale, in cui tutto è possibile, tutto può ancora accadere.
E il punto di transizione dall'amore passionale alla condizione di impresa familiare è quello, appunto, in cui possono verificarsi le fratture e i colpi di testa, soprattutto, quando uno dei due partner rimane legato ai suoi schemi adolescenziali.
L'eventuale rottura può essere ricomposta soltanto se ciascuno dei due "contraenti" fa un passo indietro rispetto a certe proprie esigenze ed un passo verso l'altro rispetto alle esigenze implicitamente espresse dal partner. E', in altri termini, il tempo delle negoziazioni e dei compromessi, quando si riconosce che è un valore e un arricchimento per entrambi, continuare a stare assieme e ad andare avanti in due (e con i propri figli). E, in effetti, la conversazione tra Delia e Gaetano durante la loro lunga notte di chiarificazioni, prima al ristorante e poi per strada, sembra avere il carattere d'una delicata trattativa diplomatica (anche se, nella filigrana, s'intravede un'esplicitazione di sentimenti, a volte timidi e delicati, pronti ad andare in frantumi al minimo sussulto, e altre volte tempestosi e violenti).
Insomma, da questo punto di vista, il film si presenta come un piccolo manuale sulla storia naturale di un matrimonio e come un "racconto di formazione".
Ma forse da un'opera cinematografica ci si attenderebbe di più che non un semplice intento didascalico.
 

Il romanzo. Il film è tratto dall'omonimo romanzo di Margaret Mazzantini (Mondadori, 2011), Nessuno si salva da solo, che è la storia di una crisi sentimentale di una coppia, Delia e Gaetano.

Entrambi prossimi ai “quaranta”, i due si ritrovano faccia a faccia, ancora freschi di rottura, durante una cena in un ristorante.

L’esito del loro amore, i due figli Cosmo e Nico, sono rimasti a casa con Delia: per i due la cena sarà l’occasione per confrontarsi l’uno con l’altra ripercorrendo passioni e rabbia intercorsi negli anni del loro rapporto.
Entrambi in bilico fra la voglia di pace e la seduzione dell’altrove e dell’altro.

(dal risguardo di copertina) Delia e Gaetano erano una coppia. Ora non lo sono più, e stasera devono imparare a non esserlo. Si ritrovano a cena, in un ristorante all'aperto, poco tempo dopo aver rotto quella che fu una famiglia. Lui si è trasferito in un residence, lei è rimasta nella casa con i piccoli Cosmo e Nico. La passione dell'inizio e la rabbia della fine sono ancora pericolosamente vicine. Delia e Gaetano sono ancora giovani, più di trenta, meno di quaranta, un'età in cui si può ricominciare. Sognano la pace ma sono tentati dall'altro e dall'altrove. Ma dove hanno sbagliato? Non lo sanno. Tre anni dopo "Venuto al mondo", Margaret Mazzantini torna con un romanzo che è l'autobiografia sentimentale di una generazione. La storia di cenere e fiamme di una coppia contemporanea con le sue trasgressioni ordinarie, con la sua quotidianità avventurosa. Una coppia come tante, come noi. Contemporaneamente a noi.

(Recensione IBS) «Stasera lo sa. Le persone dovrebbero lasciarsi prima di arrivare a quel punto. Dove sono arrivati loro. Perché poi ti resta addosso troppo male».
Scava nella coppia Margaret Mazzantini in questo nuovo romanzo. Scava brutalmente nel rapporto di una coppia che non vuole più essere tale, che dopo un grande amore vive una grande separazione. Una scrittura forte e intensa, come è nelle corde dell’autrice di Venuto al mondo e Non ti muovere, che scaraventa in faccia al lettore sentimenti squartati, corpi disuniti, volti stanchi, anime distrutte. Sono quelle di Delia e Gaetano, i due protagonisti ancora giovani, puri e rabbiosi, pronti a duellare sul ring dell’amore perduto, - «due ragazzi, si direbbe a vederli passare nei vetri di una macchina parcheggiata» -, da poco tempo divenuti genitori.
Chi si è separato lo sa, chi non l’ha fatto può immaginarlo. Può immaginare quanto sia doloroso, faticoso, a volte esaltante e in altri momenti terribilmente deprimente la separazione. Specie se non avviene da un momento all’altro, specie se è frutto di giorni, mesi, anni di logoramento, di disfacimento, di emotività negativa che volge al peggio. Specie se i sentimenti che restano sono incerti e se il legame mantiene una sua forza, anche incomprensibile, ma pericolosa: «è facile distrarsi, non sapere più a che punto della vita sono».
Proteggere i figli - «non voglio che somiglino a noi... voglio che siano migliori... ma ho paura che finiranno per assomigliarci» - cercare un equilibrio che permetta a tutti di vivere serenamente. Non è facile, ci saranno altre donne e altri uomini, ma non è facile. Si parlerà di soldi, mantenimento, affido, case, mobili, ma tangenzialmente rispetto ai sentimenti che restano, in modo a volte straziante, al centro della scena. Nessuno si salva da solo, appunto, nemmeno Delia e Gaetano.
Questa storia di un amore accartocciato potrebbe essere una commedia dark all’italiana, adatta alla trasposizione cinematografica. È già successo con il romanzo Non ti muovere e non è casuale: la scrittura della Mazzantini - hanno scritto i critici - «tira la lingua via dalle parole verso un altro genere di comunicazione». Anche in queste pagine la lingua del romanzo è brusca, a tratti brutale, vuole assomigliare il più possibile alla vita vera: le frasi spesso sono tagliate, i dialoghi lasciati a metà, in certi passaggi cala un velo di freddezza, in altri trasuda la rabbia.
L’autrice, in una recente intervista, ha dichiarato: «Dopo l’epopea straziante sulla guerra a Sarajevo, volevo scrivere una storia minimale: due trentenni, una cena storta malgrado il buon vino, il corpo morto del loro amore sul tavolo. L’infelicità coniugale». E come sempre, ci è riuscita al meglio.

Scheda film

Un film di Sergio Castellitto.

Interpreti principali: Riccardo Scamarcio, Jasmine Trinca, Anna Galiena, Marina Rocco, Massimo Bonetti, Massimo Ciavarro, Renato Marchetti, Valentina Cenni, Eliana Miglio

Genere: drammatico,

Durata 100 min. -

Origine: Italia 2015. - Universal Pictures

Uscita giovedì 5 marzo 2015.

(Maurizio Crispi) Into the Woods è un film del 2014 diretto da Rob Marshall, basato sull'omonimo musical di Stephen Sondheim a sua volta ispirato da celebri fiabe tradizionali come Cenerentola  (Cinderella), Cappuccetto Rosso (Little red Riding Hood) e Raperonzolo (Rapunzel) dei Fratelli Grimm e Jack e la pianta di fagioli.

Il film intreccia le trame di alcune racconti dei fratelli Grimm e le estende per scoprire le conseguenze dei desideri e delle missioni dei personaggi: infatti Into the Woods è una storia sui desideri, come dichiarano nell'incipit tutti i personaggi che interagiranno nel corso del film: I wish, è il refrain che ciascuno di loro canta, specificando l'oggetto del proprio desiderio. Per la coppia di fornai è quello di avere un figlio; per la vecchia strega è quello di tornare ad essere una donna giovane e bella, rompendo l'incantesimo cui essa stessa é sottoposta; per Cappuccetto Rosso quello di occuparsi della Nonna ed intanto mangiare tutti i dolci che vuole senza restrizioni; per il giovane mugnaio e l madre il desiderio è quello di uscire dalle ristrettezze economiche e poter avere una vita decente, per Cenerentola il desiderio è quello di poter essere trattata con maggiore gentilezza e di potere andare anche lei al Dancing Festival al castello del principe; per Rapunzel, infine, il desiderio è quello di poter uscire dalla sua prigione dorata ed essere salvata da un bel principe.
L'originalità del film  (e, prima, del lavoro teatrale) a cui il film si ispira si basa su questi elementi: il fatto che protagonisti di fiabe diverse si trovano ad intragire tra loro, come se fossero tutti quanti abitanti di un unico - fiabesco, è proprio il caso di dirlo, mondo alternativo -  quello che tutto si gioca sul filo del desiderio (persino quello della strega che vuole annullare gli effetti dell'incantesimo che l'ha fatta diventare tale, facendole perdere le sembianze di bella donna) e sugli effetti inattesi che può avere per ciascuno l'esaudimento dei propri desideri.
Ma oltre a ciò, Into the Woods si presenta con uno sguardo innovativo sulle fiabe edulcorate alla Disney, nel senso che si sviluppa in due diverse fasi: la ricerca dell'esaudimento del desiderio e per ciaascuno il superamento di una prova che richiede, a seconda, determinazione o coraggio o abnegazione o altruismo, e la celebrazione della buona sorte. Ma quando tutto sembra essere prossimo al compimento con un "E vissero felici contenti", arriva il rivolgimento e la storia prende a svilupparsi lungo un'inattesa direzione che per un attimo lascia lo spettatore spiazzato, anche perchè qualcuno immeritatamente muore, come - ad esempio - la moglie del fornaio (Emily Blunt), cosa che - nelle fiabe - non dovrebbe mai accadere; oppure il bel principe che ha sposato Cinderella mpstra chiaramente di preferire altre avventure, rispetto alla fedeltà coniugale che ci si attenderebbe.

E' un musical di nuova generazione, in cui il canto è recitazione, nel senso che in modo naturale dal parlato si passa al recitato con efasi e al cantato. Ma senza alcuna coreografia di balletto, come era nei muical anni '60.
Gli attori sono tutti spaventosamente bravi a partire dal "mostro sacro" Meryl Streep così terribilmente in ogni parte si trovi a recitare da risultare quasi antipatica, per arrivare ad Anna Kendrick (nella parte di Cenerentola, già molta conosciutape ril suo ruolo in "Once"), o a Daniel Huttlestone nei panni del mugnaio Jack (bravissimo nel canto), a a Johnny Depp che interpreta un sornione Lupo: e le voci del canto sono quelle degli stessi attori, che per questo motivo risultano essere ancora più bravi.
Il film è pienamente godibile e non si generanomomenti di noiua o di stanchezza. Si rimane incollati alle poltrone, anche perchè il regista riesce a fornire in contemporanea una serie di informazioni incredibile, essendo intrecciate assieme tante storie diverse che generano dal loro sovrapporsi un'unica storia complessa.

(Trama, da Wikipedia) Quando un panettiere e sua moglie si rendono conto che non possono avere figli, perché maledetti da una strega, intraprendono un viaggio nel bosco per trovare gli oggetti necessari per rompere l'incantesimo e iniziare una famiglia. Il film è legato insieme dalla storia originale del fornaio e sua moglie, dalla strega che ha lanciato loro una maledizione e dalla loro interazione con gli altri personaggi delle fiabe durante il viaggio. Quello che inizia come un vivace e irriverente fantasia musicale alla fine diventa una storia significativa sulle responsabilità, sui problemi che nascono dai desideri e sull'eredità che lasciamo ai nostri figli.

(Maurizio Crispi). Belluscone. Una storia siciliana di Franco Maresco (2014) si pone il difficile compito di esplorare le radici siciliane dell'ascesa, del potere e della fortuna di Berlusconi, indagano sulla "sicilian connection" tra il magnate di mediaset e la mafia siciliana. Un compito arduo e non facile. E come lo ha portato avanti? Semplice: andando alla ricerca di "persone informate sui fatti" e tirandole dentro al suo film, ma nello stesso tempo sviluppando un'inchiesta sul genere musicale neo-melodico che - negli ultimi anni - ha imperversato in alcuni quartieri popolari di Palermo in occasione di feste rionali, ottenendo un successo pari soltanto a quello dei narco-corridos, forma estrema del "corrido" messicano.

In questo senso il film di Maresco non è una docufiction, ma un documentario vero e proprio, anche se degli elementi fiction vengono sapientemente inseriti a tingere l'inchiesta del regista di giallo.
Infatti, nel bel mezzo della realizzazione del suo film, Franco maresco scompare, senza lasciare traccia. Che fine ha fatto? E' stata l'improbità del compito da portare avanti e la sensazione di rovistare con un coltello nell'acqua che lo ha trascinato verso una condizione di irreparabile depressione, al punto da spingerlo al suicidio, oppure si nasconde poichè lanatura della sua inchiesta lo ha messo in contatto con del materiale scottante.

Un suo caro amico, critico cinematografico e giornalista,  Tatti (Gaetano) Sanguineti scende dal nord e, alla luce dei suoi appunti di regia, si mette sulle sue tracce, cercando di risolvere il mistero della sua scomparsa. Una trovata, questa, davvero geniale.

Ma quali sono i personaggi-chiave che franco Maresco tiene in gran conto per le rivelazioni che potrebbero fargli: innanzitutto, un tale Francesco Mira, noto come "Ciccio" tra gli amici e gli amici degli amici, ex-barbiere, musicante con un suo gruppo in eventi e manifestazioni di piazza, promoter a sua volta di eventi musicali, cacciatore di talenti nell'ambito del genere neo-melodico con il quale si stabilisce un asse di collegamento musicale partenopeo-palermitano, ma anche conduttore televisivo/animatore di una popolare e seguita trasmissione da un canale televisivo privato palermitano che accoglie performer in erba e che soprattutto serve ad inviare messaggi (scritti, ovviamente, su "pizzini" gialli) agli ospiti delle patrie galere per fatti di mafia e non, che seguono costantemente e appassionatamente il programma proprio per questo motivo, offendendosi se non vengono citati o messaggiati, per dimenticanze o volute esclusioni.
Abbiamo il piacere di vedere nelle riprese il vero Ciccio Mira, reso grottesco dall'uso del bianco nero e delgrandangolo spinto, mentre parla, ma soprattutto quando non parla. Infatti, se la dichiarazione d'intenti, è che può parlare di tutto senza problemi e che gli può essere chiesto di tutto, le limitazioni e le preclusioni sono così tante che ben poco può essere detto, anche se le sue mimiche e le mezze parole che pronuncia sono assa più eoquenti del suo silenzio di vere parole: un tipico esponente della sicilianità mafiosa, dove è necessario saper leggere tra le righe di qualsiasi discorso pronunciato o di qualsiasi cenno,anche di quello apparentemente più insignificante.
Poi c'è - nientemeno - il più famoso degli avvocati di Berlusconi e cioè Marcello Dell'Utri, secondo alcuni (ed anche secondo le inchieste) ispiratore di Berlusconi e sua longa manus in terra di Sicilia, proprio per i suoi contatti e le sue conoscenze.
Anche lui campione di silenzio, ma di un silenzio ermetico e da maschera di ferro che - ad un certo punto punto inaspettatamente si scioglie nel desiderio espresso di voler fare una dichiarazione: che ci porta lontano, addirittura al caso Mattei, ma non appena comincia a dire qualcosa di cogente e risolutivo la sua voce si fa incrinata sino a che la traccia sonora letteralmente scompare, con l'ira nei confronti di una trupe d'inetti da parte di Maresco che vede vanificarsi il suo possibile scoop.
E, sullo stesso divano, compare indossando per garantirisi l'anonimato una maschera gorttesca tutta bianca un pentito di mafia che, invece, parla e racconta (manon molto in definitiva)
Poi ci sono svariati rappresentanti di ultima generazione del genere neo-melodico (quello di cui mario Merola viene considerato un precursore), alcuni palermitani - come il famoso "EriK" - palermitano - o il partenopeo Vittorio Ricciardi - intrattenitori delle masse popolari (panem et circenses) e aedi dell'amore sfrenato ed incodizionato nei confronti di Berlusconi, vero eroe popolare che dspensa a tutti lavoro (opromesse in questo senso), denaro ma soprattutto un possenteesempio di come si possano realazzare i propri sogni (pescando nel torbido o muovendosi nella semi-illegalità), sino alla canzone clou e vessillo del film (che diventa essa stessa occasione per querelle sui diritti d'autore tra i protagonisti) sul tema di "Vorrei conoscere Berlusconi"che è poi, infondo, emblema e leit-motiv di tutta la pellicola.
Nel corso di brevi interviste a questi ultimi, emerge la loro profonda ignoranza (l'incapacità persino di trovare una definizione del genere musicale di cui sono paladini), ma anche l'atteggiamento omertoso nei confronti della mafia e delle sue connessioni e altri qualunquismi, al punto che alcune loro frasi si tramutano in gag che strappano allo spettatore non colluso un sorriso (per quanto amaro).
Ma il film si avvale anche della partecipazione straordinario dei due comici Ficarra e Picone che intervengono nel ruolo di "mediatori" per risolvere una grana di "diritti d'autore" sorta per l'utilizzo di una canzone di Eric.
Alla fine, anche - o forse soprattutto - attraverso i non detti, viene tracciato un percorso che delinea le connessioni tra l'astro nascente di Berlusconi e il clan dei Bontade, ma soprattutto disegnato un quadro che mostra quanto sia vivo il "berlusconismo" tra le masse prive di cultura dei panormiti DOC e quanto sia serpeggiante un vero e prorpio culto per l'eroe "Belluscone".

VDue fila avanti a me c'era seduto un signore che soprattutto davanti alla facce di Ciccio Mira si ganasciava dalle risate e che, alla fine, ha addirittura applaudito. Nell'intervallo si ègirato verso di me e mi ha detto: "E' tutto vero! Alcuni di questi li ho sentiti cantare durante una festa nella piazza di Borgo vecchio! Certo è che con le sue domande Maresco ha messo Ciccio Mira in serio imbarazzo!".
Assolutamente da vedere: ancora una volta un film sulla Sicilianità più deteriore e sugli intrecci tra Mafia e politica di alto livello, ma proprio per questo un documento antropologico prezioso, anche se Maresco si chernisce, dicendo: "E' solo una farsa".
Un film che, premiato a Venezia (Premio speciale della Giuria Orizzonti) , è destinato a lasciare un segno graffiante tanto che Forza italia ne ha chiesto alla Magistratura il sequestro, a causa dell'immagine negativa e diffamante che dà di Berlusconi.
Ma soprattutto viene da chiedersi, vedendo questo film, cosa mai possa cambiare in meglio in Sicilia e a Palermo (in particolare9 a fronte di atteggiamenti popolari così consolidati, grazie anche ad un terreno di abissale ed atavica ignoranza che forse nemmeno generazioni potranno dissodare e rendere fertile di idee e di afflati civici e di senso della comunità civile.

(Maurizio Crispi) Linda Lovelace (nata Linda Susan Boreman) è stata l'attrice che ha interpretato il film porno "Gola Profonda" (Deep Throat), realizzato a suo tempo con un budget di appena $25.000 e divenuto rapidamente nei primi anni Settanta campione di incassi e presto trasformato in un sempreverde film cult dalle più giovani generazioni, assetate dopo gli anni della contestazione di liberazione sessuale.
Il film infatti si impose - quasi paradossalmente - come "verbo" della liberazione sessuale più sfrenata negli Stati Uniti, ancora afflitti da uno strisciante - e onnipresente - Puritanesimo.
Nello stesso tempo, rimane tuttora un caposaldo della cinematografia "porno" moderna e di larga diffusione, ormai considerata come "intrattenimento", poiché permise il transito della pornografia in cinema dalle modeste (e squallide) pellicole in otto millimetri (per lo più dei cortometraggi) al 36 mm, dando la stura ad una serie di film con un loro script, con ambientanzioni e con attori/perfomanti che, in qualche misura, recitavano un loro copione, sino alle pellicole sontuose degli anni Ottanta.
La "vera" Gola profonda⁽¹⁾ realizzato dal regista Gerard Damiano, nel profluvio di film porno di "qualità" che vennero sfornati nei decenni successivi, per raggiungere il loro culmine tra il 1980 e il 1990 che videro il massimo splendore del cosiddetto "porno chic"⁽²⁾, molto prima dell'avvento del "gonzo-style", ha goduto di grande reputazione anche presso gli addetti alla critica cinematografica e, infatti, non sono mancati dei saggi qualificati dedicati ad un'analisi testuale del film e ai suoi stilemi espressivi.

Ricordo che in uno dei primi viaggi ad Amsterdam, andai a dormire in una struttura di accoglienza detta "Sleep In", una specie di enorme dormitorio con letti a castello a tre piani, in grandissime camerate, dotato di uno spazio comune con una piccola caffeteria e servizio di ristorazione a prezzi politici, possibilità di giochi ed intrattenimenti vari (compresa la vendita di derivati della cannabis) e per l'intrattenimento degli ospiti (si poteva stare all'interno della struttura soltanto dalle 17.00 in avanti per essere buttati tutti fuori alle 10.00 della mattina), quasi ogni sera veniva proiettato appunto Gola Profonda: considerato già allora - eravamo nell'estate del 1975 -  appena tre anni dopo la sua uscita, film culto con al centro delle riprese Linda Lovelace, eroina e rappresentante - secondo la percezione dei più - di una sessualità liberata e senza pudori.

A distanza di anni, è stata una sorpresa scoprire che la verità dietro la storia di Linda Lovelace fu ben altra: una storia che la stessa Linda, nata Boreman e per un breve periodo sposata con Chuck Traynor che, di fatto, si autoelesse suo "manager", raccontò in anni successivi in un memoir, pubblicato in lingua originale con il titolo "Ordeal" - per i tipi di Citadel Press - e scritto assieme al giornalista Mike McGrady.
In questo memoir Linda racconta la sua triste storia: quella di una ragazza ingenua che venne circuita da un uomo che, dopo averla sedotta con le sue gentilezze, finì con il diventare il suo aguzzino, minacciandola costantemente di morte se lei avesse tentato di fuggire, spingendola sempre più profondamente in una via costellata di episodi di prostituzione e di perversità varie.
Chuck Traynor viene descritto da Linda Boreman come un uomo violento, animato da un odio sostanziale nei confronti delle donne che, nel rapporto con lei, si manifestava con le percosse regolari di fronte ai rifiuti opposti e ai tentativi di fuga, ma anche nel trovare sempre nuovi "divertimenti" di umiliazioni e di degradazione per Linda.

Linda Lovelace afferma con forza che, in nessuna delle sue scelte fu mai consenziente e che, piuttosto, venne usata ed abusata dal compagno (e successivamente marito) Chuck Traynor, con la minaccia costante di percosse e peggio.

Chuck Traynor viene rappresentato come un misogino pervertito e come un violento, che a tutti i costi vuole tenere in pugno la sua compagna (poi divenuta sua moglie) come un aguzzino, traendo piacere dall'umiliarla e dal sottoporla alle situazioni più penose e degradanti.

"When I was with Chuck, I was sure he had to be one of a kind.Thera could no be no else on earth like that. Now I know better. There are Chucks everywhere and there is some of Chuck in many people. I see it even in people who were once good friends of mine, people in their twenties and erly thirties. Suddenly they're swapping mates and having affairs with each other's wife and going to sex clubs." (ib., p. 250)

Chuck Traynor fu per Linda, inconfondibilmente, un abusatore, che si avvvaleva delle minacce (andava sempre in giro armato di pistola) e, a volte delle percosse, per ottenere da Linda ciò che voleva: "I was no longer experiencing things that made me feel good or bad. I felt as thoughmy selfhad been taken away from me.I was not a person anymore. I was a robot, a vegetable, a wind-up toy, a fucking-and-sucking doll. I had become someone else's thing. If I didn't do... whatever - I got beaten. So I simply did. Whatever." (ib., p. 91).

Insomma, accettare tutto divenne per Linda una questione di vita o di morte, l'unico modo per sopravvivere al "lupo cattivo".

Con Gola Profonda si verificò per alcuni versi l'apoteosi di questo percorso di "cosificazione", segnò anche il momento in cui assieme ai soldi veri, arrivò la celebrit, con le intervista, l'ingresso nella "famiglia" di Hugh Hefner, il creatore di Play Boy, la frequentazione con Sammy Davis junior e fu qui che il "potere assoluto" di Chuck Traynor, che oltre che manger si riteneva una sorta di padrone assoluto di Linda (stante anche lo status maritale), cominciò a vacillare, sino alla liberazione.
Perchè Linda non si liberò prima? Lo spiega nel racconto di questa parte della sua vita la stessa Linda, affermando che fu la gentilezza di Chuck ad imprigionarla ed anche il modo suadente e garbato che Chuck mostrava pubblicamente nei confronti degli altri le poche volte in cui cercò di fuggire, chiedendo aiuto a qualcuno che riteneva amico: un'affabilità di modi che portava ad un capovolgimento radicale della percezione dei fatti, a volte, con Linda che veniva vista come la moglie "cattiva", mentre invece Chuck  invece, era il partner/marito premuroso e gentile.
E, quindi, succedeva che quelli a cui si era rivolta per ottenere protezione, aprivano la porta al suo persecutore/aguzzino che se la riprendeva, affermando che si era trattato solamente di un'incomprensione tra coniugi, nulla che non si potesse risolvere in famiglia.
Sì, alla fine, Linda Boreman semplicemente fuggì e fece perdere le sue tracce al suo persecutore, all'uomo che in pratica l'aveva tenuta in ostaggio per oltre quattro anni, essendo aiutata in questo percorso di affrancamento - ma soltanto dopo aver fatto da sola i primi passi senza confidare nella protezione di chicchessia - da alcuni con i quali si era confidata e soprattutto da David Winters, che aveva conosciuto al tempo della sua partecipazione al film Linda Lovelace for President, di cui Winters fu coproduttore, e che per alcuni mesi fu suo partner.
Si liberò sì da Chuck Traynor, ma non dalla sua fama di prima regina del porno chic: le fu impossibile avviare - come avrebbe desiderato - una carriera come attrice o donna di spettacolo "straight", poiché - gira e rigira - tutti le richiedevano scene di nudo se non addirittura "fucking and sucking scenes".
Per alcuni anni - prima di pubblicare il memoir - Linda Boreman si schierò accanto alle femministe americane contro il porno, tra le quali Andrea Dworkin e fu la testimonial della crociata anti-porno, anche se - successivamente - Linda, pur senza rinnegare la verità che intanto aveva  voluto raccontare nel suo libro, ebbe a dire che ciascuno - in materia di sessualità - deve fare ciò che più gli piace e che questo è il discrimine: la ricerca del piacere, ma unitamente alla consapevolezza di non sentirsi degradati come persone.

Anche la traduzione italiana del memoir di Linda Lovelace non la schioda dall'abbinamento - ormai pressocchè automatico - con il film cult: il volume, infatti, è stato varato con il titolo di Gola profonda una storia vera (Castelvecchi, 2012).⁽³⁾

Lovelace è un film-di recente uscito nelle sale cinematografiche italiane,ma completato nel 2013 - che si ispira appunto alle memorie di Linda Lovelace

Il film racconta appunto questa storia, dalla sottomissione più totale e devastante, alla liberazione.
Chi si accosta adesso pensando di vere una riedizione del film porno cult o di vedere sequenze spinte del backstage, rimarrà deluso. E' piuttosto una storia di ordinaria (e straordinaria) violenza perpetrata ai danni di una donna.

Linda Boreman morì tragicamente a seguito di un incidente d'auto (quasi una beffa, visto che l'incontro con il suo aguzzino era avvenuto proprio mentre era convalescente da un  altro incidente d'auto). E del resto la sua vita - nel complesso tragica - fu punteggiata da altri incidenti e disavventure.

Cosa l'ha guidata nel dare alle stampe il suo memoir? Certamente, il desiderio di riabilitarsi agli occhi del secondo marito e del figlio, ma anche - e soprattutto - per trasmettere un messaggio ad altre donne che potrebbero trovarsi a subire analoghe situazioni di devastante sottomissione ed umiliazione ad un uomo.

"The story is not unique. There are plenty of Chuck Traynors out there. And an endless supply of girls who are young, trusting, gullible and sometimes a little stupid. And it is certain that these people will, form time to time, come together. By the time they are apart incredible damage can be done (p. 251) - così si conclude la sua storia. 

Linda Lovelace in Wikipedia

Deep Throat (Gerd Damiano) was filmed in 6 days for 25 thousand dollars. The government didn't want you to see it. It was banned in 23 states. It has grossed over 600 million dollars. And it is the most profitable film in motion picture history.

Deep Throat - The Doctor Scene (Linda Lovelace e Harry Reems)

Lovelace è un film biografico del 2013 diretto da Robert Epstein e Jeffrey Friedman.

La pellicola tratta la storia vera di Linda Lovelace, pornodiva divenuta famosa dopo la sua partecipazione al film cult La vera gola profonda del 1972.

Il recente film racconta la vera storia di Linda Lovelace, dall'incontro col primo marito Chuck Traynor, allo schieramento contro l'industria del porno che la rese famosa.

In 1972 — before the internet, before the porn explosion — Deep Throat was a phenomenon: the first scripted pornographic theatrical feature film, featuring a story, some jokes, and an unknown and unlikely star, Linda Lovelace. For more movie trailers, celebrity interviews and box office news visit Hollywood.com!

(Maurizio Crispi) Edge of Tomorrow - Senza domani (di Doug Liman, USA, 2014) è il live action del romanzo "All you need is kill", scritto da Hiroshi Sakurazaka e illustrato da Yoshitoshi Abe.

In un futuro prossimo, una razza aliena, quella dei Mimics, ha colpito la Terra con una forza così massiccia da non dare alcun tipo di speranza agli eserciti terrestri, anche perchè la forza aliena da un certo momento in poi sembra conoscere in anticipo i movimenti delle forze terrestri.

Il tenente colonnello William "Bill" Cage (Tom Cruise) è un funzionario dell'esercito che, senza alcuna esperienza di combattimento (ma solo da "addetto stampa" nelle sue qualità di ottimo comunicatore ai fini della propaganda per il reclutamento di nuove forze), pavido e timoroso viene catapultato in quella che pare essere una missione suicida.
Egli, infatti, muore all'inizio della sua prima battaglia (una rivisitazione in chiave moderna ed ipertecnologica - e in stile videogioco - dello sbarco in Normandia nella 2^ Guerra Mondiale), ma si ritrova bloccato in un loop temporale, in cui è costretto a rivivere continuamente la medesima tragica sequenza di eventi, che culmina ogni volta con la sua morte.

Cage trova un'alleata nella soldatessa Rita Vrataski (la britannica Emily Blunt) delle Forze Speciali. Scontro dopo scontro, ciclo temporale dopo ciclo temporale, Cage e Vrataski aumentano la loro abilità di combattimento.

Ogni battaglia che affrontano, li porta sempre più vicini alla vittoria, fino spezzare il ciclo temporale apparentemente senza fine.
Il film si vede bene e prende, anche perchè la ripetizione del loop temporale viene sfrutttata per effetti impredibilmente comici e per un dsapiente montaggio velocizzato che dei molti ed innumerevoli risvegli fornisce una ricapitolazione essenziale, agiungendo ogni volta un che di nuovo.

E tutto questo mano mano che prosegue l'appprendistato del Maggiore Cage, guidato dall'inconsapevole soldatessa Vrataski che aveva avuto il "dono" del loop temporale e che poi l'aveva perduto.
Ovviamente il prototipo del film, fondato sul loop temporale e sulle possibilità di "miglioramento" che offre al protagonista è rappresentato dal noto "Ricomincio da capo" di Harold Ramis con Bill Murray (1993) che vide una sua replica italian style con il comico Antonio Albanese nella parte che era stata affidata a Murray nella pellicola originale ("E' già ieri", 2004, per la regia di Giulio Manfredonia).

Il succo di tute queste storie é che vivere ogni volta la stessa giornata, morire ogni giorno di una diversa morte sembrerebbro essere una sorta di contrapasso ad una vita spesa male, ma nello stesso tempo una sfida potente a far di meglio, a tentar di più. a migliorarsi: quindi, da un lato una condanna, ma dall'altro un'occasione unica ed irripetibile per poter fare di meglio.
Mentre la comedy "Ricomincio da Capo" (con il suo remake all'italiana) pone il problema di quanto ci si potrebbe migliorare se, vivendo ogni giorno di nuovo, si potesse far tesoro dei propri errori e in qualche modo "riscattarsi" come upgrade necessario per uscire dal purgatorio del loop temporale, qui in Edge of Tomorrow domina l'idea che la stessa sopravvivenza del genere umano dipenda dalla possibilità di poter andar ogni giorno un po' più avanti verso il cuore della forza e del potere degli invasori alieni: e in ciò è contenuta appieno la filosofia dei videogiochi.

Come dire: "Every day we do it, we do it better".
O anche: "Morire per poter risolvere il problema alla replica successiva".

Scheda del film

Regia: Doug Liman.
Interpreti principali: Tom Cruise, Emily Blunt, Bill Paxton, Brendan Gleeson, Jonas Armstrong, Tony Way, Kick Gurry, Franz Drameh, Dragomir Mrsic, Charlotte Riley, Noah Taylor, Lara Pulver, Jeremy Piven, Madeleine Mantock, Marianne Jean-Baptiste, Jorge Leon Martinez, Adrian Palmer, Masayoshi Haneda
Titolo originale: Edge of Tomorrow.
Genere: Azione,

Durata 113 min.
USA 2014 (Warner Bros)
Italia uscita giovedì 29 maggio 2014