(Maurizio Crispi) Linda Lovelace (nata Linda Susan Boreman) è stata l'attrice che ha interpretato il film porno "Gola Profonda" (Deep Throat), realizzato a suo tempo con un budget di appena $25.000 e divenuto rapidamente nei primi anni Settanta campione di incassi e presto trasformato in un sempreverde film cult dalle più giovani generazioni, assetate dopo gli anni della contestazione di liberazione sessuale.
Il film infatti si impose - quasi paradossalmente - come "verbo" della liberazione sessuale più sfrenata negli Stati Uniti, ancora afflitti da uno strisciante - e onnipresente - Puritanesimo.
Nello stesso tempo, rimane tuttora un caposaldo della cinematografia "porno" moderna e di larga diffusione, ormai considerata come "intrattenimento", poiché permise il transito della pornografia in cinema dalle modeste (e squallide) pellicole in otto millimetri (per lo più dei cortometraggi) al 36 mm, dando la stura ad una serie di film con un loro script, con ambientanzioni e con attori/perfomanti che, in qualche misura, recitavano un loro copione, sino alle pellicole sontuose degli anni Ottanta.
La "vera" Gola profonda⁽¹⁾ realizzato dal regista Gerard Damiano, nel profluvio di film porno di "qualità" che vennero sfornati nei decenni successivi, per raggiungere il loro culmine tra il 1980 e il 1990 che videro il massimo splendore del cosiddetto "porno chic"⁽²⁾, molto prima dell'avvento del "gonzo-style", ha goduto di grande reputazione anche presso gli addetti alla critica cinematografica e, infatti, non sono mancati dei saggi qualificati dedicati ad un'analisi testuale del film e ai suoi stilemi espressivi.

Ricordo che in uno dei primi viaggi ad Amsterdam, andai a dormire in una struttura di accoglienza detta "Sleep In", una specie di enorme dormitorio con letti a castello a tre piani, in grandissime camerate, dotato di uno spazio comune con una piccola caffeteria e servizio di ristorazione a prezzi politici, possibilità di giochi ed intrattenimenti vari (compresa la vendita di derivati della cannabis) e per l'intrattenimento degli ospiti (si poteva stare all'interno della struttura soltanto dalle 17.00 in avanti per essere buttati tutti fuori alle 10.00 della mattina), quasi ogni sera veniva proiettato appunto Gola Profonda: considerato già allora - eravamo nell'estate del 1975 -  appena tre anni dopo la sua uscita, film culto con al centro delle riprese Linda Lovelace, eroina e rappresentante - secondo la percezione dei più - di una sessualità liberata e senza pudori.

A distanza di anni, è stata una sorpresa scoprire che la verità dietro la storia di Linda Lovelace fu ben altra: una storia che la stessa Linda, nata Boreman e per un breve periodo sposata con Chuck Traynor che, di fatto, si autoelesse suo "manager", raccontò in anni successivi in un memoir, pubblicato in lingua originale con il titolo "Ordeal" - per i tipi di Citadel Press - e scritto assieme al giornalista Mike McGrady.
In questo memoir Linda racconta la sua triste storia: quella di una ragazza ingenua che venne circuita da un uomo che, dopo averla sedotta con le sue gentilezze, finì con il diventare il suo aguzzino, minacciandola costantemente di morte se lei avesse tentato di fuggire, spingendola sempre più profondamente in una via costellata di episodi di prostituzione e di perversità varie.
Chuck Traynor viene descritto da Linda Boreman come un uomo violento, animato da un odio sostanziale nei confronti delle donne che, nel rapporto con lei, si manifestava con le percosse regolari di fronte ai rifiuti opposti e ai tentativi di fuga, ma anche nel trovare sempre nuovi "divertimenti" di umiliazioni e di degradazione per Linda.

Linda Lovelace afferma con forza che, in nessuna delle sue scelte fu mai consenziente e che, piuttosto, venne usata ed abusata dal compagno (e successivamente marito) Chuck Traynor, con la minaccia costante di percosse e peggio.

Chuck Traynor viene rappresentato come un misogino pervertito e come un violento, che a tutti i costi vuole tenere in pugno la sua compagna (poi divenuta sua moglie) come un aguzzino, traendo piacere dall'umiliarla e dal sottoporla alle situazioni più penose e degradanti.

"When I was with Chuck, I was sure he had to be one of a kind.Thera could no be no else on earth like that. Now I know better. There are Chucks everywhere and there is some of Chuck in many people. I see it even in people who were once good friends of mine, people in their twenties and erly thirties. Suddenly they're swapping mates and having affairs with each other's wife and going to sex clubs." (ib., p. 250)

Chuck Traynor fu per Linda, inconfondibilmente, un abusatore, che si avvvaleva delle minacce (andava sempre in giro armato di pistola) e, a volte delle percosse, per ottenere da Linda ciò che voleva: "I was no longer experiencing things that made me feel good or bad. I felt as thoughmy selfhad been taken away from me.I was not a person anymore. I was a robot, a vegetable, a wind-up toy, a fucking-and-sucking doll. I had become someone else's thing. If I didn't do... whatever - I got beaten. So I simply did. Whatever." (ib., p. 91).

Insomma, accettare tutto divenne per Linda una questione di vita o di morte, l'unico modo per sopravvivere al "lupo cattivo".

Con Gola Profonda si verificò per alcuni versi l'apoteosi di questo percorso di "cosificazione", segnò anche il momento in cui assieme ai soldi veri, arrivò la celebrit, con le intervista, l'ingresso nella "famiglia" di Hugh Hefner, il creatore di Play Boy, la frequentazione con Sammy Davis junior e fu qui che il "potere assoluto" di Chuck Traynor, che oltre che manger si riteneva una sorta di padrone assoluto di Linda (stante anche lo status maritale), cominciò a vacillare, sino alla liberazione.
Perchè Linda non si liberò prima? Lo spiega nel racconto di questa parte della sua vita la stessa Linda, affermando che fu la gentilezza di Chuck ad imprigionarla ed anche il modo suadente e garbato che Chuck mostrava pubblicamente nei confronti degli altri le poche volte in cui cercò di fuggire, chiedendo aiuto a qualcuno che riteneva amico: un'affabilità di modi che portava ad un capovolgimento radicale della percezione dei fatti, a volte, con Linda che veniva vista come la moglie "cattiva", mentre invece Chuck  invece, era il partner/marito premuroso e gentile.
E, quindi, succedeva che quelli a cui si era rivolta per ottenere protezione, aprivano la porta al suo persecutore/aguzzino che se la riprendeva, affermando che si era trattato solamente di un'incomprensione tra coniugi, nulla che non si potesse risolvere in famiglia.
Sì, alla fine, Linda Boreman semplicemente fuggì e fece perdere le sue tracce al suo persecutore, all'uomo che in pratica l'aveva tenuta in ostaggio per oltre quattro anni, essendo aiutata in questo percorso di affrancamento - ma soltanto dopo aver fatto da sola i primi passi senza confidare nella protezione di chicchessia - da alcuni con i quali si era confidata e soprattutto da David Winters, che aveva conosciuto al tempo della sua partecipazione al film Linda Lovelace for President, di cui Winters fu coproduttore, e che per alcuni mesi fu suo partner.
Si liberò sì da Chuck Traynor, ma non dalla sua fama di prima regina del porno chic: le fu impossibile avviare - come avrebbe desiderato - una carriera come attrice o donna di spettacolo "straight", poiché - gira e rigira - tutti le richiedevano scene di nudo se non addirittura "fucking and sucking scenes".
Per alcuni anni - prima di pubblicare il memoir - Linda Boreman si schierò accanto alle femministe americane contro il porno, tra le quali Andrea Dworkin e fu la testimonial della crociata anti-porno, anche se - successivamente - Linda, pur senza rinnegare la verità che intanto aveva  voluto raccontare nel suo libro, ebbe a dire che ciascuno - in materia di sessualità - deve fare ciò che più gli piace e che questo è il discrimine: la ricerca del piacere, ma unitamente alla consapevolezza di non sentirsi degradati come persone.

Anche la traduzione italiana del memoir di Linda Lovelace non la schioda dall'abbinamento - ormai pressocchè automatico - con il film cult: il volume, infatti, è stato varato con il titolo di Gola profonda una storia vera (Castelvecchi, 2012).⁽³⁾

Lovelace è un film-di recente uscito nelle sale cinematografiche italiane,ma completato nel 2013 - che si ispira appunto alle memorie di Linda Lovelace

Il film racconta appunto questa storia, dalla sottomissione più totale e devastante, alla liberazione.
Chi si accosta adesso pensando di vere una riedizione del film porno cult o di vedere sequenze spinte del backstage, rimarrà deluso. E' piuttosto una storia di ordinaria (e straordinaria) violenza perpetrata ai danni di una donna.

Linda Boreman morì tragicamente a seguito di un incidente d'auto (quasi una beffa, visto che l'incontro con il suo aguzzino era avvenuto proprio mentre era convalescente da un  altro incidente d'auto). E del resto la sua vita - nel complesso tragica - fu punteggiata da altri incidenti e disavventure.

Cosa l'ha guidata nel dare alle stampe il suo memoir? Certamente, il desiderio di riabilitarsi agli occhi del secondo marito e del figlio, ma anche - e soprattutto - per trasmettere un messaggio ad altre donne che potrebbero trovarsi a subire analoghe situazioni di devastante sottomissione ed umiliazione ad un uomo.

"The story is not unique. There are plenty of Chuck Traynors out there. And an endless supply of girls who are young, trusting, gullible and sometimes a little stupid. And it is certain that these people will, form time to time, come together. By the time they are apart incredible damage can be done (p. 251) - così si conclude la sua storia. 

Linda Lovelace in Wikipedia

Deep Throat (Gerd Damiano) was filmed in 6 days for 25 thousand dollars. The government didn't want you to see it. It was banned in 23 states. It has grossed over 600 million dollars. And it is the most profitable film in motion picture history.

Deep Throat - The Doctor Scene (Linda Lovelace e Harry Reems)

Lovelace è un film biografico del 2013 diretto da Robert Epstein e Jeffrey Friedman.

La pellicola tratta la storia vera di Linda Lovelace, pornodiva divenuta famosa dopo la sua partecipazione al film cult La vera gola profonda del 1972.

Il recente film racconta la vera storia di Linda Lovelace, dall'incontro col primo marito Chuck Traynor, allo schieramento contro l'industria del porno che la rese famosa.

In 1972 — before the internet, before the porn explosion — Deep Throat was a phenomenon: the first scripted pornographic theatrical feature film, featuring a story, some jokes, and an unknown and unlikely star, Linda Lovelace. For more movie trailers, celebrity interviews and box office news visit Hollywood.com!

(Maurizio Crispi) Edge of Tomorrow - Senza domani (di Doug Liman, USA, 2014) è il live action del romanzo "All you need is kill", scritto da Hiroshi Sakurazaka e illustrato da Yoshitoshi Abe.

In un futuro prossimo, una razza aliena, quella dei Mimics, ha colpito la Terra con una forza così massiccia da non dare alcun tipo di speranza agli eserciti terrestri, anche perchè la forza aliena da un certo momento in poi sembra conoscere in anticipo i movimenti delle forze terrestri.

Il tenente colonnello William "Bill" Cage (Tom Cruise) è un funzionario dell'esercito che, senza alcuna esperienza di combattimento (ma solo da "addetto stampa" nelle sue qualità di ottimo comunicatore ai fini della propaganda per il reclutamento di nuove forze), pavido e timoroso viene catapultato in quella che pare essere una missione suicida.
Egli, infatti, muore all'inizio della sua prima battaglia (una rivisitazione in chiave moderna ed ipertecnologica - e in stile videogioco - dello sbarco in Normandia nella 2^ Guerra Mondiale), ma si ritrova bloccato in un loop temporale, in cui è costretto a rivivere continuamente la medesima tragica sequenza di eventi, che culmina ogni volta con la sua morte.

Cage trova un'alleata nella soldatessa Rita Vrataski (la britannica Emily Blunt) delle Forze Speciali. Scontro dopo scontro, ciclo temporale dopo ciclo temporale, Cage e Vrataski aumentano la loro abilità di combattimento.

Ogni battaglia che affrontano, li porta sempre più vicini alla vittoria, fino spezzare il ciclo temporale apparentemente senza fine.
Il film si vede bene e prende, anche perchè la ripetizione del loop temporale viene sfrutttata per effetti impredibilmente comici e per un dsapiente montaggio velocizzato che dei molti ed innumerevoli risvegli fornisce una ricapitolazione essenziale, agiungendo ogni volta un che di nuovo.

E tutto questo mano mano che prosegue l'appprendistato del Maggiore Cage, guidato dall'inconsapevole soldatessa Vrataski che aveva avuto il "dono" del loop temporale e che poi l'aveva perduto.
Ovviamente il prototipo del film, fondato sul loop temporale e sulle possibilità di "miglioramento" che offre al protagonista è rappresentato dal noto "Ricomincio da capo" di Harold Ramis con Bill Murray (1993) che vide una sua replica italian style con il comico Antonio Albanese nella parte che era stata affidata a Murray nella pellicola originale ("E' già ieri", 2004, per la regia di Giulio Manfredonia).

Il succo di tute queste storie é che vivere ogni volta la stessa giornata, morire ogni giorno di una diversa morte sembrerebbro essere una sorta di contrapasso ad una vita spesa male, ma nello stesso tempo una sfida potente a far di meglio, a tentar di più. a migliorarsi: quindi, da un lato una condanna, ma dall'altro un'occasione unica ed irripetibile per poter fare di meglio.
Mentre la comedy "Ricomincio da Capo" (con il suo remake all'italiana) pone il problema di quanto ci si potrebbe migliorare se, vivendo ogni giorno di nuovo, si potesse far tesoro dei propri errori e in qualche modo "riscattarsi" come upgrade necessario per uscire dal purgatorio del loop temporale, qui in Edge of Tomorrow domina l'idea che la stessa sopravvivenza del genere umano dipenda dalla possibilità di poter andar ogni giorno un po' più avanti verso il cuore della forza e del potere degli invasori alieni: e in ciò è contenuta appieno la filosofia dei videogiochi.

Come dire: "Every day we do it, we do it better".
O anche: "Morire per poter risolvere il problema alla replica successiva".

Scheda del film

Regia: Doug Liman.
Interpreti principali: Tom Cruise, Emily Blunt, Bill Paxton, Brendan Gleeson, Jonas Armstrong, Tony Way, Kick Gurry, Franz Drameh, Dragomir Mrsic, Charlotte Riley, Noah Taylor, Lara Pulver, Jeremy Piven, Madeleine Mantock, Marianne Jean-Baptiste, Jorge Leon Martinez, Adrian Palmer, Masayoshi Haneda
Titolo originale: Edge of Tomorrow.
Genere: Azione,

Durata 113 min.
USA 2014 (Warner Bros)
Italia uscita giovedì 29 maggio 2014

(Maurizio Crispi) Con grande piacere e gusto, mi p capitato di vedere - in ritardo rispetto all'uscita nelle sale cinematografiche Le avventure di Tintin - Il segreto dell'Unicorno (The Adventures of Tintin) che è un film del 2011 diretto da Steven Spielberg e prodotto, tra gli altri, da Peter Jackson (nonché regista della seconda unità). Il film è anche interessante sotto il profilo tecnico poiché venne girato interamente mediante la tecnica detta motion capture o mocap.

Il lungometraggio spielberghiano è basato su tre albi di Hergé, il disegnatore belga creatore delle strisce di Tintin, che sono Il granchio d'oro, Il segreto del Liocorno e Il tesoro di Rakham il Rosso.
Nel film, inoltre, è presente una scena tratta da Tintin nel paese dell'oro nero. 
Per i premi Oscar 2012 John Williams è stato candidato per la Migliore colonna sonora.

È sulle pagine del Petit Vingtième, supplemento del quotidiano cattolico Le Vingtième Siècle, che partì - nella forma di strisscie disegnate (quindi, a puntate) la grande avventura di Tintin, l'intrepido reporter belga con la faccia da bambino (e che rimase come il più noto - ed amato - personaggio di Hergé) e del suo autore.
Ben presto le storie di Tintin cominciarono ad avere vita editoriale propria e furono pubblciati in forma di albi di grande formato, con vignette policrome.

Più della metà di questi furono realizzati prima della fine della seconda guerra mondiale.
Vi furono ombre sulla carriera di Hergé e sulla sua levatura umana. Infatti, la sua presenza professionale nell'ambiente della destra cattolica estrema (esplicita area di riferimento del giornale per cui lavorava) e la successiva collaborazione col quotidiano Le Soir nel periodo in cui era sotto il controllo diretto degli invasori nazisti, costarono a Hergé, dopo la guerra, il periodo peggiore della sua vita.
Venne accusato di collaborazionismo, nonostante avesse solo pubblicato avventure a fumetti per bambini, e conseguentemente rischiò il carcere (se non la vita).
Ma in suo aiuto arrivò inaspettatamente Raymond Leblanc, un ben noto partigiano che voleva fondare il settimanale Tintin e testimoniò in suo favore.

Ad alcuni il film di Spielberg non è è piaciuto. Ad altri sì, e molto.
Probabilmente, questa radicale discrepanza di giudizi dipende dal fatto che, nell'infanzia di ciascuno ci sia stata o meno una relazione con Tintin, così come Spielberg - quasi certamente nella sua infanzia - ha intrattenuto una relazione con lui.
Se con Tintin vi è stata questa consuetudine, se Tintin è entrato in qualche misura nel nostro immaginario e vive in esso come personaggio vivo e palpitante che ci ha fatto (e che ci fa sognarre), il film di Spielberg non potrà non piacere, in fondo perchè parla di una passione infantile e quindi entra nel cuore del fruitore, a condizione che questi abbia a sua volta amato il personaggio Tintin.
In più, probabilmente, quelli a cui non piace il film (e il personaggio) sono quelli che non sanno far vibrare le corde del bambino che è dentro ciascuno di noi.

Cosa è (é stato) per me Tintin? Tintin rievoca i tempi della mia infanzia, quando la mamma mi comprava gli Albi di grande formato con le avventure strepitose del piccolo giornalista e del suo fido cagnolino, per non parlare del Capitano Haddock e dei due investigatori semi-gemelli Dupont e Dupond, sempre battibeccanti e pasticcioni.
Ma, a parte l'elemento caricaturale con cui sono tratteggiati i singoli personaggi, le avventure narrate in quegli albi erano intriganti, perché abbinavano il piacere "visuale" della striscia a fumetti, con quello della lettura ed anche perché i testi, sia in forma di dialoghi sia in forma di spiegazioni aggiuntive erano importanti (quegli albi rappresentarono un trampolino di lancio per la lettura dei romanzi di avventure veri e prorpri).
Erano albi che suscitavano con immediatezza il gusto per la lettura, per quella unica e speciale combinazione di avventura, mistero, intrigo che sapevano offrire, tant'è che a distanza di tempo, per fare pratica, mi sono divertito a rileggerne alcuni, in Inglese).
Storie peraltro "pulite", prive di rappresentanti cattive e raccapriccianti di violenza: ed educative anche, perchè il bene finisce con il trionfare sempre e i cattivi (ma anche questi bonari) non la fanno franca.

Questi albi avevano l'innegabile fascino delle storie avventurose che facevano viaggiare il lettore nei "sette mari" e nei cinque continenti, ad un ritmo incalzante. 
E poi, a renderli appassionanti, c'erano i colori straordinari e la ricca definizione dei dettagli.

Quegli albi, di grande formato, con tutte le pagine a colori un pastellati li adoravo, semplicemente. C'era pane per i miei denti: trovavo sia da leggere, sia da guardare.
Purtroppo quegli album della mia infanzia li persi, non si so come.
Forse li regalai, o forse li distrussi (probabile), quando decretai che, essendo divenuto "grande" alcune cose che erano orpelli della mia infanzia avrei dovuto ritualmente distruggerle.

Più avanti, nel corso della mia vita, riuscii a recuperarli quasi tutti (alcuni come ho detto in versione inglese), cercando di ritrovare con essi l'antica magia.

La visione del film di Spielberg mi ha riportato indietro nel tempo a tutte le emozioni che gli album di Hergé mi donarono, quando ero più piccolo.

Il film è un tipico prodotto di Spielberg che è come un bambino cresciuto che si ritorva a rievocare tutto ciò che, nella sua infanzia, è entrato nel suo immaginario con strumenti da adulto: e, ovviamente, le avventure di Tintin rievocano l'archetipo "Indiana Jones" (alcune delle musiche sono rievocative in tal senso).
Sì, perchè indubbiamente, molto più di quanto si possa pensare, Tintin è diventato un personaggio dell'immaginario collettivo e icona della moderna storia di avventure.

Il trailer

(Maurizio Crispi) The Last Waltz - L'ultimo valzer (1978) è un film di Martin Scorsese che racconta l'ultimo grandioso concerto del gruppo rock di origini canadesi "The Band" (con l'intercalare di una serie interviste con i diversi componenti della band) dopo 18 anni di carriera (successivamente, nel 1993 The Band si riunì per un breve arco di tempo e produsse tre nuovi album).
Vidi la prima volta il film al tempo della sua uscita nelle sale cinematografiche e ne rimasi profondamente colpito, emozionato.
E fui realmente dispiaciuto quando il film finì e con esso la band di cui, attraverso le interviste, era stata tracciata la storia..
Perchè?
The Band con il suo " Music from Big Pink" (di cui nel 2000 fu prodotta una versione rimasterizzata con l'aggiunta di alcune tracce inedite) fu una delle mie prime scoperte musicali autonome, dopo gli inzi di ascolto musicale alla guida di mio padre che era un cultore della musica classica e dell'opera lirica, ma che non mancava di offrirmi stimoli nuovi, regalandomi dischi innovativi che pensava potessero interessarmi (come Joan Baez, John Mayall, The Beatles) come anche, a lui, devo la prima scoperta di Fabrizio De André (con il suo regalo dell'LP "Tutti morimmo a stento")
Bob Dylan fu la mia prima scelta autonoma e subito cominciai ad ascoltare la sua musica, decifrarne i testi, amare i contenuti che trasmetteva, leggere su di lui e approfondire le tematiche che potevano essere seguite come i fili di una ragnatela che s'intersecano e ciascuno dei quali conduceva a nuove vie da percorrere.
Il mio mentore (virtuale) in quest'esplorazione fu Riccardo Bertoncelli, a partire dal suo testo avveniristico (per quei tempi) sulla musica Rock e Pop di quegli anni, Pop story. Suite per consumismo, pazzia e contraddizioni di Arcana, edito per la prima volta nel 1973 (un classico nel genere perché nello stile della critica e della storiografia rock "ispirata" e forse oggi, purtroppo, introvabile).
The Band è inestricabilmente collegata a Bob Dylan, visto che spesso collaborarono assieme (ricordate i "Basement's Tapes"?), ma anche perchè a lui fece da spalla nelle prime tournée.

The Band, il cui leader indiscusso fu Robbie Robertson (il quale, poi, continuò ad incidere album da solo, con un nuovo ed inedito interesse per le musiche dei Nativi americani), operò, incidendo molti album (non moltissimi) e calcando le scene musicali per oltre 18 anni.
Ma per il gruppo arrivò il momento degli addii e, quindi, posero fine alla loro attività quasi ventennale con un grande concerto di commiato che venne denominato "The Last Waltz" e a cui invitarono in veste di ospiti tanti dei musicisti rappresentativi della loro epoca musicale: sicché in quel concerto si schierò un parterre di artisti davvero grandioso, in un certo senso l'epitome di una parte della musica rock degli anni Sessanta e Settanta.
Il concerto ebbe luogo nel Winterland Concert Ballroom di San Francisco, il 25 novembre 1976 e fu evento memorabile, tanto che qualcuno disse: "Cominciò come un concerto e divenne una celebrazione"; e questa divenne la sua epitome, la frase incisiva con cui tramandarlo.
Il film di Scorsese peraltro, come documentario rock, rimase come una pietra miliare nella cinematografia di genere sia per la qualità del suono, sia per l'innovatività delle soluzioni di ripresa adottate.

Al tempo dell'uscita del film, io - ancora agli albori della mia vita lavorativa - stavo appena cominciando a fare le mie scelte e, quindi, vedere il concerto di commiato di musicisti che avevo seguito appassionatamente per quasi dieci anni (the Band e molti degli artisti coinvolti nel concerto, mentre altri erano per me nuovi), mosse in me delle emozioni, relativamente a qualcosa che non avevo ancora sperimentato e che, forse, avrei solo sperimentato in seguito.
Ma nel film vidi anche una metafora del commiato in genere e del passaggio da una fase della vita ad un'altra (e questo era qualcosa che allora era per me più accessibile in termini di esperienza: avevo già costruito dei possibili modelli dentro di me).
In effetti, per poter procedere nei miei studi di Medicina e arrivare alla loro conclusione, avevo dovuto rinunciare a possibili alternative e, comunque, avevo dovuto tralasciare delle "non scelte", quali potevano essere quella di rimanere in uno stato adolescenziale protratto, "non scelte" verso le quali - in un momento di difficoltà - mi ero sentito profondamente attratto.
Quindi la malinconia degli addii (che è anche il dispiacere susseguente ad una rinuncia, qualsivoglia essa sia, o quella sottile saudade per ciò che non si è ancora raggiunto da cui ci sente estromessi), in una certa misura, l'avevo già sperimentata dentro di me.
L'addio e il commiato sono carichi di nostalgia, ma nello stesso tempo possono diventare una grande festa e una celebrazione di ciò che siamo stati ed è quello che appunto The Band fece in occasione del suo ultimo commiato.
Uscii dall'aver visto il film commosso, quasi in lacrime, profondamente toccato nell'intimo, dispiaciuto che il film fosse finito e, con esso, The Band.
Poi continuai ad ascoltare per decine di volte l'album omonimo del concerto e OST del film di Scorsese e dalla visione di quel film, partirono per me innumerevoli altri sentieri musicali da seguire (come quello tracciato da Van Morisson o la scoperta degli album di Emmylou Harris).
A distanza di più di 40 anni, nel rivederlo in DVD, le emozioni sono state identiche, gioia, commozione, nostalgia, sconforto al pensiero di ciò che è stato e di ciò che si è perso, ma anche soddisfazione per ciò che ho fatto nella mia vita.

E, poi, aggiungerei che The Band costruì un suo repertorio di canzoni e pezzi memorabili: basti pensare a "The Weight"...  per non parlare di tutte le altre.
Un'ultima notazione: a vederli retrospettivamente, a distanza di tanti anni, dopo aver macinato l'ascolto di una quantità incredibile di musica di tutti i tipi, devo dire che tutti i musicisti di The Band sono bravissimi, capaci di trasmettere nel modo in cui suonano entusiasmo ed emozioni.
Sanno essere travolgenti e sanno adattarsi a modalità musicali diverse, come hanno fatto per ciascuno degli ospiti presenti accanto a loro in quest'ultimo concerto, con i quali imbastiscono delle cover dal clasdsico repertorio di ciascuno (come nel caso del pezzo con Muddy Waters con il suo classico "Hoochy Koochy Man" o con Bob Dylan, lanciati con lui in una rimarchevole e toccante interpretazione di "For Ever Young").

Il film di Scorsese peraltro, come documentario rock, rimase come una pietra miliare nella cinematografia di genere sia per la qualità del suono, sia per l'innovatività delle soluzioni di ripresa adottate.

(Da Wikipedia - En) The Last Waltz was a concert by the rock group The Band, held on American Thanksgiving Day, November 25, 1976, at Winterland Ballroom in San Francisco.
The Last Waltz was advertised as The Band's "farewell concert appearance", and the concert saw The Band joined by more than a dozen special guests, including Paul Butterfield, Bob Dylan, Neil Young, Emmylou Harris, Ringo Starr, Ronnie Hawkins, Dr. John, Joni Mitchell, Van Morrison, Muddy Waters, Ronnie Wood, Neil Diamond, Bobby Charles, The Staple Singers, and Eric Clapton.
The musical director for the concert was The Band's original record producer, John Simon.

The event was filmed by director Martin Scorsese and made into a documentary of the same name, released in 1978. Jonathan Taplin, who was The Band's tour manager from 1969-1972 and later produced Scorsese's film Mean Streets, suggested that Scorsese would be the ideal director for the project and introduced Robbie Robertson and Scorsese.
Taplin was the Executive Producer of The Last Waltz.
The film features concert performances, scenes shot on a studio soundstage and interviews by Scorsese with members of The Band.
A triple-LP soundtrack recording, produced by Simon and Rob Fraboni, was issued in 1978.
The film was released on DVD in 2002 as was a four-CD box set of the concert and related studio recordings.

The Last Waltz is hailed as one of the greatest concert films ever made, although it has been criticized for its focus on Robertson.

(Maurizio Crispi)  4.44 - The last day on Earth è un film "apocalattico" di  Abel Ferrara, realizzato con mezzi poverissimi, senza effetti speciali, eppure efficace.
Pensate che - secondo l'immagine (quasi obbligata) che ci è stata consegnata dalla cinematografia hollywoddiana la fine della Terra sarebbe preceduta da secene di panico, da radunate oceaniche di gente che prega (o che si dispera), dal Caos universale?

No, niente di tutto questo.

Quello che prospetta Abel Ferrara è una riflessione su ciò che accadrebbe nell'animo umano se ciascuno di noi fosse informato, senza alcun ragionevole dubbio, che la fine della Terra (e quindi della vita) avverrà per tutti ad una certa ora di un certo giorno.
In modo irrevocabile. Non ci sono scappatoie, non vie di salvezza possibili.
Nè sarà data ad alcuni la possibilità di mettersi in salvo, pagando qualcosa in più.
Non un destino differenziato per ricchi e per poveri.
Ma una fine eguale e indifferenziata per tutti.
La fine del mondo, la fine della vita, la fine delle nostre vite.

Angosciante... claustrofobico...
Abel Ferrara ha dato vita ad un vero e proprio laboratorio in cui egli studia cosa accadrebbe agli uomini e alle donne nel breve arco di tempo in cui gli rimane da vivere, nell'attesa.

Alcuni si suicidano, così, come se niente fosse: nient'altro che il prodotto di una lucida determinazione.

Altri manifestano la propria rabbia, sparando in aria dei colpi di fucile.

Altri si riuniscono e parlano tra loro, bevendo vino.
Altri continuano le proprie piccole abitudini, come l'uomo che nutre il suo cane, offrendogli prelibati bocconcini presi dal suo stesso piatto.

Altri fanno l'amore, ascoltano musica, litigano per piccole gelosie, come la coppia dei due protagonisti che sono esaminati nelle loro reazioni più da vicino.
In televisione, scienzati e teologi si avvicendano spiegand cuò che sta capitando e ciascuno, cercando di dar euna spiegazione metafisica, dal proprio punto di vista, sul senso delle cose ultime.
Nient'altro.
Per il resto la vita continua, come se niente fosse, la gente va al lavoro e ne ritorna. Il flusso di automobili scorre inalterato.
Poi lo strato di ozono, all'ora annunciata, si buca definitamente.
Si spengono le luci ed è la fine.

Credo che questo film sia decisamente efficace, anche se all'inizio uno si chiede che cosa stia guardando: dal momento che lo svolgimento sembra tradire quanto annunciato nel titolo.
E, poi, andando avanti nella visione del film, a poco a poco si comprende, il senso di ciò che Abel ferrara ha voluto dirci.
In questo senso, la storia è del tutto spogliata di quegli orpelli che, spesso, rendono i film apocalittici dei film avventurosi e di azioni, in cui il più delle volte (nel 99% dei casi) si prospetta - almeno per alcuni - una consolotaria via di sopravvivenza.
Qui, in questa pellicola, tutti si traduce ed è rappresentabile nel dramma quotidiano dei personaggi: come candele che semplicemente arrivano alla loro fine, ma che - ciò nonostante - sino alla fine continuano ad ardere.

Il Trailer.