(Maurizio Crispi) Gli anni Sessanta del XX secolo negli Stati Uniti furono degli anni cruciali come ben ci si può ricordare.
Furono gli anni della contestazione giovanile, dei Figli dei fiori (gli Hippie) che si inserirono sulla linea tracciata dalla Beat Generation.
Ma furono anche gli anni in cui prese vita una lotta armata semi-clandestina contro l'establishment (vedi, tanto per fare un esempio, gli Weathermen oppure il Black Panther Party).
Furono gli anni in cui si prese a lottare per una libertà di parola e di espressione fattuale e non semplicemente dichiarata in enunciati vuoti e privi di contenuto. In questo contesto, si sviluppò ad esempio il Free Speech Movement.
Furono gli anni di Lenny Bruce e della suoi spettacoli provocatori e anti-moralistici, al termine dei quali veniva sovente arrestato per avere pronunciato nel contesto delle sue battute parole che era proibito dire in luoghi pubblici e la cui enunciazione, in alcuni degli States, si configurava come reato penale perseguibile.
Furono gli anni della cosiddetta "liberazione sessuale" dei puritanissimi Stati Uniti d'America.
In quel periodo, sotto la spinta di questo movimento di affrancamento da ogni moralismo, prese l'avvio un peculiare capitolo della storia del Porno cinematografico che venne allo scoperto, uscendo dalla clandestinità squallida in cui era relegato
I film porno made in USA di quel periodo ebbero la caratteristica di passare al grande schermo e di avere una diffusione capillare: e alcuni finirono per diventare film "culto" e l'emblema stesso della contestazione e dell'affrancamento da ogni restrizione convenzionale e moralistica.
Quei film la gente li guardava volentieri perchè mettevano alla gogna il moralismo rigido che, sino a quel momento, aveva ammantato la sessualità.
Il Verbo del Porno d'autore, d'altra parte, è quello della liberazione dalla repressione, dalle inibizioni, dalle regole ottuse che vogliono ordine e disciplina e dell'evoluzione verso una società anarco-sessuale in cui tutti fanno sesso quando vogliono e come gli pare.
Ricordiamo, per inciso, che le opere del Divin Marchese vennero messe all'indice e De Sade incarcerato, non tanto per le sue evidenti blasfemie e irriverenze o per le sue sconcezze, ma piuttosto per il carattere rivoluzionario della sua opera che minava alla base la solidità delle gerarchie sociali.
L'altra caratteristica della filmografia porno di quel periodo fu che quei film, a differenza del porno-gonzo che prese il sopravvento nei tardi anni Novanta, erano dei film con una storia, con personaggi che interagivano in una trama dotata d'una sua credibilità (molti attori hollywoodyani alle prime armi si cimentarono in qualche pellicola porno, come per converso altri che non avevano successo nella cinematografia mainstream migrarono verso il porno, dove trovarono la loro realizzazione, ma anche il loro piacevole divertimento) e che, in alcuni casi, arrivavano a trasmettere dei messaggi di qualche genere.
Tra questi ebbero particolare rilevanza " Gola Profonda" ("Deep Throat" in lingua originale, che enuncia chiaramente il verbo della Liberazione Sessuale) e "Dietro la Porta Verde", ovvero "Behind the Green Door" che, invece, della Liberazione sessuale mostra i pericoli.
Entrambi i film andrebbero visti, senza pregiudizi e senza prevenzioni.
Gola Profonda è stato oggetto di approfonditi studi cinefili, tra i quali citiamo per il suo interesse e per le sue sfaccettature (compresa un'accurata analisi formale del suo testo) "Gola Profonda. La pornografia prima e dopo Linda Lovelace" di Piero Calò e Giuseppe Grosso Ciponte, edito da Lindau (2002).
Dietro la Porta Verde fu uno dei primi porno ad essere stato ampiamente distribuito nei cinema, è ormai ritenuto un classico dell'hardcore vintage, E si trattò anche del primo film porno regolarmente distribuito negli Stati Uniti. Inoltre, fu il primo lungometraggio diretto dai fratelli Mitchell, celebre coppia di registi e produttori hard, e il film di debutto di Marilyn Chambers, con il suo volto da americana pulita ed innocente.
Il soggetto della storia è un adattamento di un racconto breve opera di un Anonimo, che circolava da parecchi anni nell'ambiente in copie ciclostilate o realizzate con carta carbone.
Il titolo del film in lingua originale, Behind the Green Door, è un riferimento al brano musicale del 1956 The Green Door, composto da Bob Davie e Marvin Moore, che aveva visto un discreto successo all'epoca.
Tutto il film ruota attorno ad una misteriosa "porta verde" dalla quale ogni tanto esce un essere abbigliato come un clown che chiaramente invita a superare quella soglia.
Tutti parlano di questa porta verde e di ciò che può accadere dall'altro lato.
Marylin Chambers (nel ruolo di Gloria) è attratta dal clown e varca la soglia.
Al di là l'attendono ineffabili e trasgressivi piaceri cui le si abbandona consenziente e attiva.
La realtà è costituita dai personaggi che parlano della Porta verde, mentre quello che accade davanti ad essa e subito oltre possiede la qualità della tessitura onirica.
Qualè è il messaggio che il film vuole trasmettere?
Innanzitutto, c'è il tema della liberazione dalle restrizioni moralistiche ed educative e l'invito a vivere la sessualità, in modo libero, arcaico, promiscuo, dando libero corso ai propri desideri inconsapevoli.
Dall'altro c'è un avviso implicito nel "rischio" implicito in una liberazione di questo tipo, come a dire che potrebbe esserci il rischio di essere per sempre imprigionati "dietro" la porta verde.
Sì può andare a vedere ciò che c'è al di là di essa con giudizio e parsimonia, meglio ancora se ciò accade in sogno.

Da un lato, vi si trasmette il messaggio che solo attraverso un'immersione profonda e senza inibizioni, si potrà avere una sessualità appagante (come sembra dire il film nella sua conclusione).

Ma, nello stesso tempo, passa l'alto messaggio che, cioè, darsi a una sessualità disinibita, trasgressiva, fuori dagli schemi la preoccupazione dominante d'una vita è rischioso, perchè questo tipo di pratiche potrebbe trasformarsi in interesse monotematico e, infine, in addiction.
C'è una premonizione nell'evoluzione che si è avuta in tempi più recenti nel porno cinematografico (con la scomparsa delle trame e di qualsiasi tentativo di recitazione e in un approccio esclusivamente "gonzo" al tema della rappresentazione del sesso esplicito) e del porno in rete, con attori (ormai semplici figuranti) che sono letteralmente imprigionati nella rete con centinaia di spezzoni video che li rappresentano nelle loro performance per l'eternità: una condanna alla quale non potranno più sfuggire. E a questa moltitudine fa da corrispettivo la folla di frequentatori della rete, costantemente alla ricerca di video hard scaricabili gratuitamente.
La "Porta Verde" dei fratelli Mitchell è un po' tutto questo e dunque, per questo motivo il loro film rimane come una pietra miliare nella storia del Porno cinematografico e del costume.



Plot. Chambers plays the role of Gloria. The story begins in a cafe, where a cook asks two truck drivers to tell the story of the green door. Gloria is then shown being kidnapped and taken to a sex theater, where she is placed on a stage and forced to perform various sexual acts with multiple partners in front of a masked audience The Mitchell brothers appear in the film as her kidnappers. First she is fondled by several women wearing robes.
Her first heterosexual scene in the film is with Johnny Keyes, accompanied by a jazz soundtrack. This possibly makes Behind the Green Door the first US feature-length hardcore film to include an interracial sex scene.
Following this Gloria has sex with four other men at once. The watching audience become aroused and begin having sex with each other.
In a psychedelic key sequence, an ejaculation on Gloria's face is shown with semen flying through the air for seven minutes.
The film features several multicolored, optically printed, slow-motion close-ups of money shots.

Next the truck driver-narrator runs onto the stage and carries Gloria off through the green door.
The film ends with Gloria and him making love alone.

(Maurizio Crispi) Ci sono dei film che proprongono agli spettatori un'esperienza estrema. La storia che vi viene narrata non ha trama, non ha articolazioni. I personaggi che compaiono ed interagiscono sono sottoposti ad una prova difficilissima. E l astoria è tutta lì.
Se falliscono, c'è la rappresentazione del modo in cui reagiscono a quelle sollecitazioni così estreme. Se sopravvivono, saranno per sempre trasformati dall'avere vissuto quell'esperienza. Nello stesso tempo, lo spettatore viene sottoposto alla meraviglia che si alterna a seconda dei casi al brivido empatico di fornte ai pericoli che devono affrontare i personaggi, al terrore agorafobico o all'angoscia claustrofobica più estrema.
 

Gravity è un film di fantascienza del 2013 scritto (con il figlio Jonas come co-sceneggiatore), diretto, montato e prodotto dal messicano Alfonso Cuarón, che ha per protagonisti Sandra Bullock e George Clooney.
Il film, proiettato in anteprima mondiale il 28 agosto 2013 nella Sala Grande del Palazzo del Cinema di Venezia, ha aperto la 70^ edizione della Mostra internazionale d'arte cinematografica di Venezia.
Il film di Alfonso Cuaròn, si presenta con un cast di attori limitatissimo, in pratica soltanto Sandra Bullock nella parte di Ryan Stone e George Clooney, nei panni di Matt Kowalsky, comandante dello Shuttle.
George Clooney, paludato nei panni dell'astronauta è stranamente simile (con un involontario effetto umoristico) al Buzz Lightyear di Toy Story della Disney.
Il film è breve, con una lentezza che in parte sembra rimandare alla totale mancanza di gravità, con delle improvvise velocizzazione (che servono a ricordare che tutto si muove nell'orbita attorno alla Terra ad una velocità spaventosa), con un alternanza di momenti fortemente agorafobici e claustrofobici.
Secondo alcuni commentatori il film contiene numerose "bufale" ed imprecisioni che non reggono ad una serrata critica scientifica come si è preoccupato di puntualizzare Neil de Grasse Tyson, uno dei fisici e divulgatori scientifici più famosi del mondo: insomma, sembra che il regista si sia preso numerose libertà nell'infrangere i limiti della credibilità scientifica.
Sono di una bellezza ineffabile le immagini della Terra vista dallo spazio profondo.
Nulla di nuovo rispetto ad altre pellicole che hanno esplorato un tema analogo a partire da alcune immagini inquetanti proposte da Stanley Kubrick in "2001 Odissea nello Spazio", ma lì c'erano il lirismo e la licenza poetica che consentivano di non preoccuparsi affatto dell'aderenza della narrazione ai principi della scienza e della fisica.
Ma, al di là della ricerca dell'esattezza scientifica e al di là del fatto che il terrore dello spazio profondo è stato un tema da sempre preso in considerazione da cineasti e da narratori di SF, rimane quello, indiscutibile, che il film è pieno di pathos e di tensione drammatica, con una Sandra Bullock che da sola tiene banco in quasi metà del film.
Che il finale sia scontato non importa, vi è forte il messaggio che esperienze estreme come quella che Sandra Bullock si trova a vivere lasciano indelebilmente il segno e trasformano le persone che vi passano attraverso, in quanto hanno il potere vivificante della morte-rinascita, come sembrano sottolineare le immagini finali.

(Sintesi) La dottoressa Ryan Stone è un'esperta ingegnere biomedico che affronta per la prima volta una missione nello spazio. Assieme a lei sullo Space Shuttle l'astronauta Matt Kowalsky, il comandante, destinato ad andare in pensione al rientro da questa che sarà la sua ultima missione. Durante una passeggiata all'esterno dello Shuttle per lavori di manutenzione sul telescopio Hubble, vengono colpiti da un'onda di detriti di un satellite che distrugge la navetta spaziale e uccide gli altri membri dell'equipaggio, lasciando i due da soli alla deriva nello spazio, senza comunicazioni con la base di Houston.
Il comandante Kowalsky è l'unico a disporre di uno zaino jet e riesce a trainare con sé la dottoressa Stone agganciandola con un cavo. Distrutto lo Shuttle, e in attesa del secondo passaggio dell'onda di detriti, la loro unica speranza è raggiungere la Stazione Spaziale Internazionale, distante pochi chilometri dal punto in cui stavano operando in orbita. Con il propellente esaurito i due superstiti riescono a raggiungere la stazione, tuttavia il comandante è costretto a sacrificarsi per salvare la donna, lasciandosi andare alla deriva nello spazio.
Affranta, la dottoressa Ryan Stone, che nel frattempo aveva esaurito la propria riserva di ossigeno, riesce a penetrare nella stazione internazionale, danneggiata, disabitata e piena di oggetti in caduta libera. Entrata nel modulo di salvataggio russo Sojuz, cerca di sganciarsi dalla stazione attivando i razzi ma il paracadute, apertosi a causa dell'impatto dei detriti, si è impigliato nella stazione e le impedisce di staccarsi. Solo tornando all'esterno potrà sganciare il paracadute. Tuttavia una nuova pioggia di detriti ad altissima velocità la coglie all'esterno.
Con la navetta russa pesantemente danneggiata, peraltro senza paracadute, non può rientrare sulla Terra, pertanto come ultima speranza si dirige verso la stazione cinese Tiangong 1 in orbita, che però sta vistosamente perdendo quota. Con la navetta di salvataggio cinese Shenzhou, staccatasi dalla stazione cinese poco prima della sua distruzione, riuscirà ad affrontare la rovente discesa nell'atmosfera terrestre e infine ammarare.

Un film di Alfonso Cuarón.
Interpreti: Sandra Bullock, George Clooney, Ed Harris, Orto Ignatiussen, Phaldut Sharma.  Amy Warren

Genere: Fantascienza
Ratings: Kids+13
Durata 92 min.
Origine: USA, Gran Bretagna 2013.
Warner Bros Italia
Uscita nelle sale italiane giovedì 3 ottobre 2013.

Videoclip

L'ipnotista (un film di Lasse Hallstrom, 2013) è un film crepuscolare in una Stoccolma pre-natalizia, cupa e buia.
La riduzione cinematografica, benchè "lunga", due ore e dieci minuti di proiezione, è in verità "corta" e non riesce a dare ragione alla complessità del romanzo best-seller di Lars Kepler (in realtà una coppia di scrittori, Alexander e Alexandra Ahndoril, nella vita marito e moglie) in cui gran parte dell'indagine e della risoluzione con cui si confronta l'ispettore di polizia, il caparbio Joona Linna e lo psicologo-ipnotista Erik Maria Bark, si perde in gran parte a favore delle sequenze di azione.
Nel romanzo, infatti, Erik Maria Bark alla ricerca della verità deve scandagliare il suo passato di ipnotista, coinvolto in un'attività di applicazione clinica sperimentale dell'ipnosi ad un gruppo di pazienti con un grave passato traumatico alle spalle (vittime di violenze), sino al fallimento di quel lavoro a causa di uno scandalo "pilotato".
Nel romanzo l'indagine che, ad un certo punto, si fa sul filo del rasoio, perchè bisogna salvare la vita di Benjamin, figlio dello stesso Erik, rapito misteriosamente e bisognoso di continue cure [per una grave forma di emofilia, si precisa nel romanzo, metre nel film il dettaglio viene omesso] dipenderà in gran parte dai ricordi di Erik relativi a quel passato che egli stesso ha rimosso, perché estremamente doloroso, anche con l'aiuto determinante di un abuso di farmaci ipnoinducenti sfociato in una vera e propria dipendenza e dalla identificazione della persona che, con una mente perversa, ha ideato un mostruoso complotto per trarne la sua vendetta e, a suo modo, un folle "risarcimento" del presunto danno subito.

E, mentre si snoda la vicenda dell'investigazione e si consuma l'angoscia dei due genitori privati del loro piccolo, si sviluppa su di un altro piano (che accresce la complessità della vicenda) la scaramuccia tra Erik e la moglie, insicura e convinta che il marito continui a tradirla.

 
E, quindi, nel romanzo, i passi avanti dell'indagine, sono intercalati a lunghe parentesi - a mo' di flashback - nelle quali Bark si immerge nel suo passato, alla ricerca delle cause del suo fallimento.
Proprio quella che è, a mio avviso, la parte più intrigante del romanzo, nel film si perde del tutto e della quale lo spettatore accorto e conoscitore del romanzo può riconoscere solo attraverso lievi tracce.
Il film, come il romanzo, servono a rinforzare ulteriormente un'immagine allucinata e crepuscolare, affollata di delitti immaginari e truci e scaturita dall'immaginario del sempre più nutrito gruppo dei "giallisti" svedesi.

(www.mymovies.it) [...] Si sente già dalle scelte di ripresa l'influsso di quel filone letterario che ha in Stieg Larsson e in Henning Mankell gli autori di punta e che il cinema e la televisione hanno cominciato ad avvicinare allontanandosi in qualche misura dagli stereotipi narrativi che spesso il cinema made in Usa tende a replicare.
L'ipnosi non diventa qui occasione per sfruttare una situazione liminare al paranormale ma per intrecciare i fili di una trama che si colloca nell'ambito della razionalità e si sviluppa su una dimensione parallela. Da un lato l'indagine del funzionario dell'Unità Anticrimine (finlandese e qui le sottigliezze che sottendono le dinamiche tra Finlandia e Svezia possono sfuggire a un pubblico mediterraneo) e dall'altro, in continua alternanza, la situazione al limite della rottura del rapporto tra Erik Maria e sua moglie Simone che viene poi messa a confronto con un evento che rischia di infrangere definitivamente l'ormai fragilissimo rapporto. [...] (Gianfranco Zappoli).

Scheda film
Un film di Lasse Hallström.

Interpreti principali: Tobias Zilliacus, Mikael Persbrandt, Lena Olin, Helena af Sandeberg, Jonatan Bökman, Oscar Pettersson, Eva Melander, Anna Azcárate, Johan Hallström, Göran Thorell, Jan Waldekranz, Emma Mehonic, Tomas Magnusson, Nadja Josephson

Titolo originale Hypnotisören.

Genere: thriller
Durata: 122 minuti
Svezia 2013. - Bim
Uscita giovedì 11 aprile 2013

Trailer ufficiale

Con mio figlio l'altra sera, volevamo andare al cinema, ma la realizzazione di questo nostro programma è risultata un po' indaginosa. Malgrado tutto, alla fine, siamo riusciti nel nostro intento.
In un primo tempo siamo andati al Fiamma per veder eun film (che adesso non ricordo più).  Ma all'arrivo, avevano chiuso da un mometo all'altro la sala e sospeso la proiezione per un problema tecnico...
E' seguita una veloce e febbrile consultazione attraverso una connessione estemporanea su mymovies per mezzo dell'I-phone di Franci (i mezzi della tecnica!) e abbiamo deciso di andare al Gaudium, facilmente raggiungibile a piedi e soprattutto a piedi.
Ma abbiamo dovuto fare egualmente una bella corsa per arrivare in tempo...
Ci siamo presentati alla biglietteria e qui ci hanno detto che lo spettacolo delle 10.30 non avrebbe avuto luogo per mancanza di pubblico (quando la sfiga ci mette il suo zampino...)...
Ma ci hanno invitato ad entrare nella sala accanto (Gaudium Iulii) dove il fim in programmazione è iniziato da poco più di 5 minuti.
"Andate, andate, visto che il film è appena inziato e questo non lo proiettiamo più, entrate senza pagare il biglietto" - ci hanno esortato (bontà loro).
E ci siamo accomodati dentro, senza nemmeno sapere il titolo del film, non parliamo del contenuto.
La storia è ambientata tra l'Italia e il Brasile con una certa verve documentaristica e didascalica sul contrasto e la differenza tra la vita in Occidente e la vita nelle Favelas brasiliane e lungo i piccoli villaggi sparsi lungo il Rio delle Amazzoni.
E' la storia di una giovane donna alla ricerca di se stessa e di un modo diverso di vivere, in contrasto alla sua famiglia benestante, ma fondalmente sfasciata.
C'è una presa di posizione sulla semplicità della vita nelle Favelas, che secondo i criteri occidentali non offrono comodità e modernità, ma che si fondano sulle relazioni interpersonali, sulla reciproca solidarietà e sul senso forte della comunità e del reciproco aiuto.
Augusta (Jasmine Trinca), allontanandosi dalla sua famiglia in Italia, si accosta ad un gruppo di "volontari" che svolgono attività missionarie e che si pongono, in un certo modo, come "colonizzatori" insensibili però alla cultura e ai valori della gente del posto (e che quindi dietro la maschera della bontà nascondono una forma di violenza).
Augusta finisce con il distaccarsi anche da loro, iniziando una sua peregrinazione autonoma (una forma di erranza, si potrebbe dire) e un suo personale percorso di conoscenza che è felice sino ad un certo punto (perché le offre la scoperta dell'autenticità nei rapporti tra le persone), ma che viene bruscamente interrotto da un evento doloroso che la spinge ad allontanarsi in una sorta di eremitaggio, come se questa scelta, quella di essere un po' fuori da tutti gli schemi, sia l'unica possibile, forte e di chiusura nei confronti del mondo degli altri e, nello stesso tempo, di apertura e permeabilizzazione alla natura maestosa della grande foresta amazzonica e del paesaggio fluviale, con qualche incursione nel mondo dell'infanzia e nella spensieratezza dei giochi.
Il film che offre delle maestose visioni del Rio delle Amazzoni e, prima, delle popolose Favelas di Manaus è un po' lento a tratti: ed io mi sono addormentato, per una decina di minuti, senza tuttavia perdere il controllo e senza perdere scene davvero essenziali...
Ah, il titolo! E' "Un giorno devi andare" di Giorgio Diritti (2012).
Poi, nel bel mezzo della proiezione qualcosa nel proiettore si è inceppato, e il fotogramma bloccato ha cominciato a deteriorarsi rapidamente: sembrava di vedere l'inizio della scena dell'incendio in Nuovo Cinema Paradiso.
Poi, hanno rimediato: comunque, per 10 minuti buoni abbiamo patito una visione a scosse e a balzi.
Comunque, alla fine, la serata è andata...

Scheda film:
Regia: Giorgio Diritti. Interpreti: Jasmine Trinca (Augusta), Anne Alvaro, Pia Engleberth; Sceneggiatura: Giorgio Diritti, Fredo Valla; Fotografia: Roberto Cimatti; Musiche: Marco Biscarini, Daniele Furlati; Montaggio: Esmeralda Calabria; Scenografia: Jean-Louis Leblanc; Costumi: Hellen Crystine; Produzione: Arancia Film, Rai Cinema, Wild Bunch; Distribuzione: Bim. Italia, 2013, 110'.

Il trailer

(Maurizio Crispi) Ricordo come fosse ieri quando arrivarono le prime notizie del terribile Tsunami che devastò le coste di tanti paesi che si affacciavano sull'Oceano Indiano il 26  dicembre 2004.
Rimasi impressionato e fortemente addolorato, sorattutto nel vedere alcune impietose foto riportate nei rotocalchi. Ero in aereo con mio figlio e stavo sfogliando il Venerdì di Repubblica sovraccarico di immagini mortuarie veramente inquitanti e, devo confessare, feci in modo che lui - ancora piccolo - non dovesse vederle. Chiusi di scatto la rivista e la riposi. Scrissi una nota di diario al riguardo (che, al momento, non riesco a ritrovare).
In quel momento, non potei non riandare con la memoria ad un racconto - letto da bambino - della scrittrice statunitense (ma di origine giapponese) Pearl S. Buck, in cui gli abitanti di un piccolo villaggio di pescatori sulla costa di una delle piccole isole del Giappone attendono con un senso di ineluttabilità l'abbattersi della grande onda su di loro e sulle proprie cose e non potei non riflettere al modo in cui gli artisti riescono a trasfigurare un'evento di per sè orribile e nefasto in una visione estetica, come protezione dall'orrore che, altrimenti, susciterebbe una rappresentazione troppo cruda della stessa cosa. E, quindi, pensai al potere rassicurante della raffigurazione che fa Hokusai della Grande Onda di Kanagawa, in cui l'evento temibile e distruttivo si trasforma in figura dinamica, estetizzante e meravigliosa, concisa come un haiku. Quel racconto della Buck era corredato di illustrazioni sobrie, indubbiamente ispirate allo stile di Hokusai e, benchè il racconto in sè, fosse angosciante, quelle illustrazioni riuscivano a renderlo leggero e più "digeribile".
Poi, a distanza di meno di un anno dal tragico evento mi capitò di leggere in un rotocalco la recensione di un libro scritto da un'italiana sopravvissuta miracolosamente - assieme ai suoi familiari - all'immane catastrofe, mentre si trovavano in vacanza in una località dello Sri Lanka. Lo comprai subito e lo lessi avidamente, non per interesse morboso, ma spinto dalla necessità interiore di condividere empaticamente, sia pure attraverso il filtro del racconto reso da una donna che c'era stato ed anche perchè sono sempre interessato a capire quali meccanismi (di resilienza) si attivino in alcuni posti di fronte a situazioni estreme tali da far che questi, a differenza di altri che si abbandonano alla disperazione, possano resistere.

 Il resconto diaristico di Pamela Vona era intitolato L'onda. Una storia vera (De Agostini, 2005).  Lo lessi con grandissimo interesse e commozione. Lo trovai davvero emozionante e coinvolgente. Poi, soltanto dopo, mi è capitato di leggere il romanzo (in parte autobiografico di Emmanuele Carrère (Vite che non sono la mia, Einaudi, 2011) che, nella sua prima parte, si sofferma su questo evento e sul dramma interiore dei sopravvissuti.
Proprio in questi giorni ho visto al cinema il film "The impossibile" e, mentre lo guardavo, non ho potuto non riandare con la mente alle vivide, emozionanti e dolorose vicende che Pamela Vona ha raccontato nel suo libro. Il film non ha aggiunto nulla che già non avessi appreso attraverso la sua testimonianza. Vorrei visitare il blog appositamente creato che Pamela cita nel suo commento, ma non sono riuscito a trovarlo: mi piacerebbe conoscere la sua esatta denominazione.

The Impossible è un film del 2012 diretto da Juan Antonio Bayona, interpretato da Ewan McGregor e Naomi Watts.
Il film è una produzione spagnola girata in lingua inglese su una sceneggiatura di Sergio G. Sánchez, ispirata alla storia vera di una famiglia colpita dallo tsunami del 2004 nell'Oceano Indiano.
Una famiglia americana, che vive in Giappone per motivi lavorativi, decide di trascorrere le vacanze natalizie del 2004 in Thailandia.
La famiglia è composta da Henry e Maria, genitori di tre figli. Passato Natale, la mattina del giorno seguente la loro vacanza idilliaca viene sconvolta dall'abbattersi di un enorme tsunami sul loro villaggio. Anche se Henry ha qualche preoccupazione relativa al futuro del suo impiego il relax è totale e l'armonia è totale.
Fino a quando, la mattina del 26 dicembre uno tsunami di enormi proporzioni travolge tutto ciò che si trova di fronte. Con l'onda e la successiva alternanza di deflussi e reflussi che hanno spazzato via tutto, Maria Naomi Watts) viene trascinata via nella stessa direzione del figlio maggiore Lucas, mentre Henry viene travolto mentre ha stretti a sé i due figli più piccoli. In quella catastrofe naturale moriranno trecentomila persone.
Quando tutto sembra perduto, si attivano in loro delle straordinarie ed inattese risorse interiore e la volontà di sopravvivenza, che alla fine - anche con un pizzico di fortuna - l'hanno vinta sull'evento naturale di così immense proprozioni

La didascalia iniziale del film ci ricorda con enfasi che quella a cui stiamo per assistere è una storia vera: è proprio su questa segnalazione che si fonda la credibilità del film.
Quante volte, infatti, nei tanti film catastrofici "fiction" ci si ritrova ad assistere a vicende che ci costringono ad autentiche acrobazie per sospendere l'incredulità di fronte alle acrobazie rocambolesche di un manopolo di eroi che sopravvivono alla tragedia? Quante volte, cioè, ci si ritrova davanti alla rappresentazione di vicende per le quali ci viene da dubitare che chi ha scritto la sceneggiatura e poi diretto e montato il film sia dotato di un minimo senso della realtà?
Non sono poche, purtroppo, anzi rappresentano la regola in questo genere di filmografia.
The Impossible prende le mosse da questa nostra consapevolezza, guastata dai troppi film catastrofici in circolazione, e sin dal titolo ci mette in guardia: ci verrà raccontato l'impossibile.
Un impossibile che però, negli elementi essenziali che vengono proposti sullo schermo, è davvero accaduto.
Perché la realtà talvolta supera la più fervida immaginazione e ciò che nella finzione ci appare come retorico si rivela invece come dannatamente umano. Solo concentrandosi su un nucleo ristretto (una famiglia), coinvolto in un'immane tragedia, Bayona è riuscito a restituire agli spettatori il senso di un disastro che nessun telegiornale prima era riuscito a offrirci.
Solo chi ha avuto modo di leggere i pochi resoconti di alcuni sopravvissuti, potrà rendersi quanto aderente al realmente accaduto, sia l'impossibile che ci viene proposto in questo film.
C'era arrivato vicino Clint Eastwood in Hereafter, anche se lì lo Tsunami e i suoi effetti devastanti erano stati soltanto il pretesto per muoversi su altri piani di narrazione.
Bayona falsifica volutamente un solo elemento: la famiglia, nella realtà, era spagnola ed era formata da Maria, Quique, Lucas, Tomas e Simon (Mendez). La distribuzione internazionale del film e il casting richiedevano questo cambiamento.
Chi non sa nulla della loro vicenda, però, farà bene a non informarsi preventivamente perché il regista sa come toccare le corde più sensibili degli spettatori immergendo la sala quasi fisicamente in quelle acque in tumulto.
Lo fa soprattutto non tanto con le due "star" Watts e McGregor, ma con lo sguardo dolente di Tom Holland nei panni del giovane Lucas che, inghiottendo amarissime lacrime e ricacciando la paura dentro di sé, deve farsi adulto per sopravvivere. Bayona aveva già dato prova con il precedente The Orphanage di un'attenzione particolare verso i più giovani e quindi più indifesi (da quel film porta con sé per una parte cameo, quasi scaramantica, Geraldine Chaplin).
Il viaggio di Lucas nell'orrore inatteso ricorda da vicino quello di Jim 'Jamie' Graham (lo scrittore inglese James ballard adolescente e protagonista di tragiche vicende durante la 2^ guerra Mondiale) de L'impero del sole di Steven Spielberg. Entrambi vengono catapultati all'improvviso in un inferno in cui sembra contare solo la possibilità di sopravvivere (e la capacità di ingegnarsi, stringendo i denti per vincere la fatica e il dolore), assistendo nello stesso tempo all'orrore di ferite spaventose, di arte innaturalmente piegati e della morte "di massa", assieme all'improvviso sconvolgimento di un mondo rassicurante e quieto.
Entrambi i due protagonisti, Lucas e Jim, sono accomunati dal fatto che in questo loro viaggio avranno modo di scoprire che la paura della perdita e del distacco da chi ci è più caro lascia segni nel profondo, ma nello stesso tempo avranno modo di entrare in contatto con un'umanità capace, nei momenti più estremi, di ritrovare una solidarietà che - nel quotidiano - sembra sempre più spesso anestetizzata, lasciando il campo a fome di colpevole indifferenza.
Il film è una co-produzione tra le compagnie spagnole Apaches Entertainment e Telecinco Cinema.
Le riprese furono iniziate ad agosto 2010 ad Alicante, in Spagna, per poi continuare in Thailandia ad ottobre.

 

Scheda film
Regia di Juan Antonio Bayona.
Interpreti: Naomi Watts, Ewan McGregor, Tom Holland , Geraldine Chaplin, Marta Etura, Dominic Power, Bruce Blain, Sönke Möhring, Nicola Harrison, Natalie Lorence, Byron Gibson, Olivia Jackson, Anteo Quintavalle, Ploy Jindachote, Laura Power, Gitte Julsrud, Oaklee Pendergast, Russell Geoffrey Banks, Johan Sundberg, Samuel Joslin, Jan Roland Sundberg, Christopher Alan Byrd, Georgina L. Baert, Oli Pascoe, Lancelot Kwok, Vanesa de la Haza, George Baker, Henry Reed.
Genere: Drammatico, durata 114 min.
Origine: USA, Spagna 2012. - Eagle Pictures
Uscita giovedì 31 gennaio 2013

Trailer

Nell'illustrazione in alto:La grande onda di Kanagawa (letteralmente: "Sotto un'onda di Kanagawa") di Katsushika Hokusai (葛飾北斎) (1760–1849). Titolo    giapponese: 『神奈川沖浪裏』 - Kanagawa oki nami ura