(Maurizio Crispi) I registi americani sono maestri nel raccontare storie di conquista di diritti civili e nel delineare personaggi memorabili, siano essi oscuri o celebri, che si siano distinti per la loro dedizione ad una causa, al punto da mettere a repentaglio tutto ciò che hanno, perfino la vita.

A questa categoria appartiene il film Selma - La strada per la Libertà (di Ava DuVernay, 2014) che racconta un momento cruciale dei 19 anni di lotta non violenza e di militanza del Pastore Martin Luther King Jr,  a partire dal conferimento del Premio Nobel per la Pace sino alla promulgazione di una specifica legge federale da parte del Presdente da poco in carica Lyndon B. Johnson, per sancire ulterioremente (e rendere concretamente possibile) il diritto di voto dei Neri d’America, teoricamente già stabilito dal primo Emedamento della Costituzione USA, ma di fatto scarsamente o nulla applicato negli Stati più segregazionisti.

Strategicamente, Martin Luther King scelese la cittadina di Selma nel cuore dello Stato dell’Alabama, uno tra i più segregazionisti sino a quel momento, per iniziare su questo tempa una protesta non violenta che smuovesse le coscienze della Nazione.

Su Selma si concentrò l’attenzione dei mass media del tempo, mentre dietro le quinte si svolgeva una prova di forza tra la determinazione di King e la non volontà del Presidente Johnson ad agire “con la penna”, mentre il governatore dello stato Wallace inaspriva provvedimenti e sanzioni per ostacolare qualsiasi iniziativa di King e dei suoi seguaci.

Nelle diverse azioni dimostrative, ci furono feriti, ma ci scapparono anche i morti. Punto cruciale della lotta fu la determinazione a svolgere una marcia non violenta da Selma a Montgomery, portando la protesta nella capitale dello Stato.

Un primo tentativo, il 7 marzo 1965, con un migliaio di partecipanti venne brutalmente fermato dalla Polizia con una carica selvaggia contro inermi dimostranti tra i quali molte donne e baambini. Punto cruciale della marcia fu l’attraversamento dell’Edmund Pettus Bridge che avrebbe condotto i dimostranti fuori dalla contea.

La seconda marcia, che attrasse dissenzienti da tutta la nazione compresi i liberali bianchi, rappresentanti del clero e dell’intelligentsia culturale, venne fermata dallo stesso King.

Infine, la terza - quando ormai gli equilibri erano irreversibilmente spostati a favore del pacifismo e della vision di King, venne portata a compimento, questa volta pacificamente e senza aggressioni di sorta, perchè una sentenza del Tribunale dell’Alabama aveva dichiarato che la marcia era lecito come strumento di protesta e conforme con i valori promossi dala costituzione. Fu una marcia epica, a cui parteciparono in migliaia, su di una distanza di circa 80 km che vennero percorsi in cinque giorni: paragonabile per grandiosità alla “Marcia del Sale” di Gandhi dall’interno dell’India sino al mare per andare a prendere il sale dalle saline controllate dagli Inglesi e presidiate dalla Polizia, per protestare contro l’odiosa tassa sul sale imposta dagli Inglesi (marcia che avvenne nel 1930 e durò 24 giorni, coprendo una distanza di 200 miglia - circa 320 km - per concludersi con l’arresto di Gandhi e di altri 70.000: ma fu indubbiamente una grandissima vittoria del movimento non violento).

Pochi mesi dopo Lyndon B. Johnson promulgò la nuova legge federale e i Neri poterono finalmente accedere al voto senza avere frapposti ostacoli burocratici e finalmente esercitare il loro diritto all’autodeterminazione. Ci si chiede, come mai il conservatore Johnson, tanto restio a promulgare una legge federale sul diritto di voto dei Neri e fautore di un inasprimento dell’impegno militare USA in Vietnam, si sia deciso a rompere gli indugi. Semplicemente, ebbe senso politico e per questo fu ricordato, piuttosto che per le sue “malefatte”. Il governatore Wallace, invece, venne pressoché dimenticato - e ricordato semmai solo per la sua esecrabile intolleranza.

Le “marce di Selma” sono diventate simbolo fulgido della storia dei diritti civili negli Stati Uniti. E il film riesce a raccontare magistralmente questa storia, creando nello spettatore momenti di indignazione e trepidazione.

Un film rievocativo (comparso all’incirca nel ricorrere del cinquantenario delle “marce di Selma”) che, indubbiamente, merita di essere visto e che offre spunti profondi di riflessioni.

Film come questo sono anche un modo per imparare a conoscere episodi della storia della Lotta per i Diritti Civili che hanno forgiato in maniera indelebile la storia contemporanea e che, se trattati unicamente dai mass media, oppure trascritti nei libri di storia, rischierebbe - come tanti - di essere dimenticato.
Rimarchevole il fatto che il film sia stato realizzato da una regista afroamericana e che la regista sia stata la prima donna afroamericana a ricevere una nomination al Golden Globe e al Critics Choice Award come miglior regista.

Sinossi. Nel 1964 Martin Luther King, Jr., per merito del suo movimento pacifico per il riconoscimento dei diritti in favore degli afroamericani, vince il premio Nobel per la pace a Oslo. La sua lotta tuttavia non è affatto conclusa.

Martin viene ricevuto dal neoeletto presidente Lyndon B. Johnson, a cui chiede espressamente di garantire il pieno diritto di voto ai cittadini neri. Tale diritto è essenziale in quanto, sebbene teoricamente sia già concesso, ai neri è negato negli stati del sud, poiché essi non hanno alcun rappresentante nei seggi e nei tribunali; inoltre, sempre per questa ragione, essi subiscono attentati, pestaggi e minacce di vario genere a sfondo razziale, e gli autori di tali delitti, anche se arrestati, vengono spesso facilmente scagionati da tribunali presidiati da soli bianchi. Il presidente spiega a King che la sua richiesta è sì giusta ma attualmente scomoda, e creerebbe dissenso con gli stati del sud.

King, affranto, prosegue la sua lotta a Selma, in Alabama, stato governato dal razzista George Wallace. A seguito di una spedizione punitiva voluta dal governatore in risposta a una marcia non violenta, il giovaneJimmie Lee Jackson viene ucciso a sangue freddo da un poliziotto mentre tentava di difendere il nonno dalle sue percosse. Questo avvenimento sconvolge King, che organizza in risposta una marcia di protesta pacifica, a cui però non partecipa per motivi familiari. Durante la marcia i neri che vi partecipano vengono sopraffatti dalla polizia, che li sottopone a pestaggi. Questo gesto, mostrato in diretta nazionale dalla ABC, commuove gran parte dell'America e dei capi religiosi. A una seconda marcia le fila dei neri vengono rafforzare dalla partecipazione di diversi bianchi, che però diventano a loro volta vittime dei razzisti, che li malmenano, uccidendone uno.

A questo punto il presidente convoca Wallace per cercare di calmare le acque. Di fronte alle deboli motivazioni del governatore, il presidente, che non vuole venire giudicato male dalla Storia, decide di accettare la richiesta di King. Martin Luther King, vittorioso, vede il suo sogno realizzarsi e con il seguito di tutta l'Alabama marcia verso il Campidoglio, a Montgomery, dove terrà uno dei suoi discorsi più ricordati, consapevole dei rischi ai quali sta per esporsi.

Il lungometraggio Inside Out é una presentazione accessibile del mondo emozionale e del funzionamento mentale nella costruzione delle esperienze, sul ruolo dei ricordi, sulla memoria a breve e a lungo termine e sulle esperienze emozionali correttive, il tutto sia nel funzionamento normale sia nel corso di un evento interiore drammatico, che parrebbe sfociare in un vero e proprio breakdown (con rottura e frammentazione del mondo interno, seguita da una ricostruzione su nuove basi).
Qui, si dà la massima rilevanza alle emozioni, piuttosto che ad altre funzioni psichiche. Sono le emozioni a governare tutto ciò che accade nella nostra mente in corso di formazione e tutto ciò che accade, in termini emozionali, avrà una funzione fondamentale nel plasmare i diversi aspetti della nostra personalità adulta. Questa visione è figlia di alcune correnti di pensiero che si sono sviluppate a partire degli anni Novanta e che hanno dato il massimo rilievo al mondo emozionale, in connessione con le teorie sul “pensare positivo”.
E’ per questo momento che nella “centrale di comando” si trovano ubicate cinque personaggi che rappresentano le quattro emozioni fondamentali e che sono Joy, Sadness, Anger, Fear e Disgust: dalla loro interazione si svilupperanno le esperienze. A capo del gruppetto di personaggi sta ovviamente Joy che cerca di fare in modo che le esperienze che vengono catalogate nella memoria a breve e a lungo termine siano il più possibile positive e luminose. Solo in questo modo, nella visione di Joy, sarà possibile garantire alla piccola Riley uno sviluppo sereno ed equilibrato e la costruzione di un rapporto con il mondo sereno e fondato sulla fiducia.
La stessa Joy, tuttavia, non ha esperienza e non tiene conto del fatto che non è possibile che tutto sia rose e fiori. E Joy cerca di tenere lontana dalla consolle di comando soprattutto la sua antitesi che è Sadness, senza sapere tuttavia che proprio dal contatto con la tristezza (il dolore per i danni fatti, da cui scaturisce il desiderio di porre rimedio) alcune esperienze possono evolversi.

In altri termini, occorre uscire da una sorta di paradiso edenico in cui tutto é bello e buono, scontrarsi con le difficoltà e con le asprezze del mondo per poter “crescere”. E’ quello che Joy, dopo una lunga e complicata avventura, imparerà a sue spese, aiutando Riley un momento di difficoltà.

E’ proprio l’impasto emozionale a garantire un sano e corretto sviluppo, a creare le premesse di una base sicura dalla quale organizzare proprio contatto con il mondo e a organizzare in modo fecondo il contatto cognitivo con la realtà.

In questo senso, il film non è lieto come lo sono in genere tutti i cartoni animati, fondati il più delle volte sulla scissione e sulla idealizzazione: qui irrompe come forza plasmante la depressione (nel senzo kleiniano del termine): per star meglio e superare certi scogli dell’esistenza, passando da una condizione di onnipotenza in cui si vuole avere tutto il buono ad una posizione in cui si accettano i limiti e ci si può confrontare con il dolore, considerando questo come parte fondamentale della nostra esperienza quotidiana.

Il film si fonda ovviamente solo su una delle tante teorie della mente, quella che sviluppatasi in anni di recente dà la preminenza nello sviluppo e nella nostra vita interiore e di relazione al la cosiddetta "Intelligenza Emotiva", fondata sulle teorie (un approccio cogniitivo costruttivista, più che un insieme di teorie) sviluppate da Daniel Goleman nei suoi due volumi, Intelligenza Emotiva. Cos'è e come può renderci felici (Rizzoli, 1994) e il successivo "Intelligenza Emotiva" (Rizzoli, 1997)con "Il cervello emozionale" a cui hanno fatto seguito un'enorme quantità di saggi sulle "molecole di emozioni", sulla "chimica delle emozioni" (e così via), sul controllo emozionale e manuali di auto-apprendimento per il controllo e/o liberazione delle emozioni sepolte dentro di noi, con l'apertura di un trend che si spinge sino ai nostri giorni, sino alla divulgazione per i più piccini, come è nel caso di questo cartoon della Pixar che mostra quanto la lezione sulle emozioni e sulle rispettive "emoticone" sia stata digerita e metabolizzata. 

Ma c'è anche da dire che il pubblico anglofono è ben più assuefatto di quello nostrano ai temi relativi alle emozioni nell'infanzia: cosa di cui dà testimonianza ilprofluvio di libri per l'infanzia centrati appunto sulle dimensioni emozionali dei personaggi, sulla loro forza iconica nell'espressività emozionale, mentre da noi - forse per atavico condizionamento culturale viene tuttora dato ampio primato al controllo razionale ed intellettuale (come traspare chiaramente anche dai percorsi educativi e psico-pedagogici per i più piccini).

Nel film, tuttavia, vi è è anche spazio per altri teorie della mente che riguardano gli aspetti più meramente neuroscientifici (come, ad esempio, l'excursus sulle modalità di funzionamento della Memoria e sulla sua suddicisione in "scomparti" e più propriamente psicodinamici, come ad esempio la suddivisione del funzionamento della mente per livelli di progressiva maggiore profondità, con una dimensione inconscia della mente che si spinge sino ad avere scomparti dove vanno ad accumularsi i frammenti di memoria che andrano persi per sempre, per via di successivi re-styling del contenuto conscio della mente.

Insomma, in questa carrellata, tutti gli interessi culturali e scientifici possono essere soddisfatti e nessuno potrà essere accusato di importanti omissioni, anche se il primato di tutto va alle emozioni che sono dislocati in una minima componente della mente che del funzionamento dell'intero cervello rappresentya la vera "centrale di comando".

Inside Out è un film interessante e lucido, ma anche divertente (con tristezza).

La scheda del film

Regista: Pete Docter.
Interpreti (voci):Mindy Kaling, Bill Hader, Amy Poehler, Phyllis Smith, Lewis Black. «continua Kaitlyn Dias, Diane Lane, Kyle MacLachlan;
Titolo originale: Inside Out.
Genere: Animazione.
Ratings: Kids. Durata 94 min.
Origine: USA 2015. - Walt Disney/Pixar

Per un ulteriore approfondimento ecco la recensione pubblicata su www.mymovies.it/

(Marzia Gandolfi) Riley ha undici anni e una vita felice. Divisa tra l'amica del cuore e due genitori adorabili cresce insieme alle sue emozioni che, accomodate in un attrezzatissimo quartier generale, la consigliano, la incoraggiano, la contengono, la spazientiscono, la intristiscono, la infastidiscono. Dentro la sua testa e dietro ai pulsanti della console emozionale governa Joy, sempre positiva e intraprendente, si spazientisce Anger, sempre pronto alla rissa, si turba Fear, sempre impaurito e impedito, si immalinconisce Sadness, sempre triste e sfiduciata, arriccia il naso Disgust, sempre disgustata e svogliata. Trasferiti dal Minnesota a San Francisco, Riley e genitori provano ad adattarsi alla nuova vita. Il debutto a scuola e il camion del trasloco perduto nel Texas, mettono però a dura prova le loro emozioni. A peggiorare le cose ci pensano Sadness e Joy, la prima ostinata a partecipare ai cambiamenti emotivi di Riley, la seconda risoluta a garantire alla bambina un'imperturbabile felicità. Ma la vita non è mai così semplice. Il segreto della Pixar non risiede nell'abilità tecnica, sempre raggiungibile o perfezionabile, ma nella forza drammatica delle loro storie. Storie che non abdicano mai l'originalità narrativa. Prima un bel soggetto, a seguire la scelta grafica, sempre coerente con quella narrativa che tende a semplificare la superficie e mai la sostanza. La bellezza delle loro sceneggiature è costituita poi dai risvolti teorici, che dopo aver esplorato il mondo oggettuale e indagato i sogni delle cose, reificano le emozioni umane, in altre parole prendono per concreto l'astratto. Inside Out visualizza ed elegge a protagonisti della vicenda la gioia, la tristezza, la rabbia, la paura e il disgusto, emozioni che guidano le decisioni e sono alla base dell'interazione sociale di Riley, che a undici anni deve affrontare sfide e cambiamenti. Se Up svolgeva l'avventura di fuori, Inside Out la sviluppa di dentro, attraversando in compagnia di Joy e Sadness la memoria, il subconscio, il pensiero astratto e la produzione onirica di una bambina che sta imparando a compensare la propria emotività e ad assestarsi in una città altra. Diretto da Pete Docter, Inside Out impersona le voci di dentro con un radicalismo che impressiona e commuove. Con Inside Out Docter installa di nuovo l'immaginario al comando e ingaggia cinque creature brillanti per animare un racconto di formazione che mette in relazione emozioni e coscienza. Perché senza il sentimento di un'emozione non c'è apprendimento. Dopo la senilità e l'intenso riassunto con cui apre Up, che ha la grazia e la crudeltà della vita, Docter lavora di rovescio sulla fanciullezza, tuffandosi nella testa di una bambina, organizzando la sua esperienza infantile intorno a centri di interesse (la famiglia, l'amicizia, l'hockey, etc) e accendendola con flussi di pensieri sferici che hanno tutti i colori delle emozioni. E a introdurre Riley sono proprio le sue emozioni che agitandosi tra conscio e inconscio sviluppano le sue competenze e la equipaggiano per condurla a uno stadio successivo dell'esistenza. Nel cammino alcuni ricordi resistono irriducibili, altri svaniscono risucchiati da un'aspirapolvere solerte nel fare il cambio delle stagioni della vita e spazio al nuovo. A un passo dalla pubertà e resistente dentro un'infanzia gioiosa, che Joy custodisce risolutamente e Sadness assedia timidamente, Riley passa dal semplice al complesso, dal noto all'ignoto. Nel processo 'incontra' e congeda Bing Bong, amico immaginario che piange caramelle e sogna di condurla sulla Luna. Creatura fantastica generata dalla fantasia di una bambina, Bing Bong, gatto, elefante e delfino insieme, è destinato a diventare uno dei personaggi leggendari della Pixar Animation, rivelando un'anima segreta, la traccia di un sentimento e l'irripetibilità del suo essere minacciato dalla scoperta di una data di scadenza. Rosa e soffice come zucchero filato, guiderà Joy e Sadness dentro i sogni e gli incubi di Riley, scivolando nell'oblio per 'fare grande' la sua compagna di giochi. I personaggi, realizzati con tratti essenziali che permettono di coglierne la natura profonda (rotonda, esile, spigolosa), emergono l'aspetto intangibile del processo conoscitivo dentro un film perfettamente riuscito, che ricrea la complessità e la varietà dell'animazione senza infilare scorciatoie tecniche o narrative. Dentro e fuori Riley partecipiamo alle vocalizzazioni affettive indotte da Joy e Sadness che, finalmente congiunte, la invitano a comunicare la tristezza. Perché la tristezza, quando è blu e piena come Sadness, è necessaria al superamento dell'ostacolo e alla costruzione di sé. Impossibile resistere all'espressività emozionale delle emozioni primarie di Docter che privilegia anziani e bambini, gli unici a possedere una via di fuga verso il fantastico. Gli unici a volare via coi palloncini e ad avere nella testa una macchina dei sogni.

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Marcellino Pane e Vino (diretto dall'ungherese Ladislao Vajda), uscì nel 1955 nelle sale cinematografiche.

Ricordo che allora non avevamo ancora la TV (i primi apparecchi televisivi avrebbero avuto una diffusione di massa più tardi in occasione dei Giochi Olimpici di Roma nel 1960).

Di tanto in tanto la mamma o il papà ci portavano al cinema: e questo era dunque l'unico approccio possibile con la cinematografia.

Forse, considerando l'anno di uscita, Marcellino Pane e Vino fu il mio primo film: per così dire il mio battesimo del fuoco cinematografico..

Mi ci accompagnò la mamma: non ricordo se quella volta ci fosse anche mio fratello e nemmeno se ci fossero altre adulti e miei coetanei.

Dal film fui molto colpito, tanto che ancora oggi quando ne rivedo alcune scene topiche ora da adulto, piango tuttora come un vitello. 

Le emozioni di allora furono facilitate, allora, probabilmente da una totale identificazione con il protagonista della storia: pablito Calvo all'epoca in cui venne scelto come attore-protagonista, aveva 6 anni, esattamente gli anni che avevo io quando fui portato al cinema. E anche adesso, nel vedere le sequenze topiche del film, devo dire che mi sembra di vedere me stesso bambino: un film a grande impatto, dunque.

Ma non ricordo che tornati a casa dopo il film con la mamma ci siamo soffermati a parlare di emozioni o comunque di qualcosa che vi fosse in qualche misura correlato (ma quando ero piccoli, i discorsi sulle emozioni non erano quasi mai percorsi).

Le emozioni scaturiscono (a rivedere le sue scene ancora fresche a distanza di oltre 60 anni) dal fatto che la storia è raccontata in toni lievi, senza mai calcare la mano su eventi sovrannaturali, e anzi con un certo piglio realista.
Una narrazione scarna ed essenziale, arricchita (e non depauperatoa) dall'uso del bianconero che rende più profondi ed intensi gli aspetti della vicenda metaforici ed allegorici (come il numero quasi magico dei dodici fraticelli del convento che adottano il bambino esposto, cui viene dato in battesimo il nome di "Marcellino" perché è stato trovato proprio nel giorno dedicato a San Marcellino).
Dopo aver visto il film, la mamma mi regalò anche il libro da cui il film era stato tratto.

(da Wikipedia) Marcellino pane e vino (Marcelino pan y vino) è un film del 1955 diretto da Ladislao Vajda, presentato in concorso all'8º Festival di Cannes.
Il protagonista del film, Pablito Calvo, all'epoca aveva solo sei anni.
Nel 1958 il protagonista del film Pablito Calvo recitò in un film con Totò che sin dal titolo richiamava al film spagnolo (Totò e Marcellino, diretto da Antonio Musu).
Al protagonista del film è dedicata la canzone omonima che sarà interpretata negli anni della sua maggiore fama da Gigliola Cinquetti, memore, come lei stessa disse, delle emozioni che il film le procurò quando, bambina di otto, nove anni, lo vide per la prima volta.
Nel 2011, l'album che contiene tale canzone, Gigliola per i più piccini, è stato ripubblicato in formato CD da Warner Music Italia per l'etichetta Rhino Records (EAN 5052498572953).

Il film è tratto dal romanzo di José María Sánchez Silva "Marcelino Pan Y Vino".

Nel giorno di San Marcellino, in Spagna, un frate francescano si reca in paese per andare a visitare una bambina gravemente malata, mentre tutto il paese sta salendo la collina per andare al convento sulla tomba di San Marcellino; il frate inizia a raccontare la storia del convento e di Marcellino. Finita la sanguinosa guerra combattuta tra francesi e spagnoli, tre frati francescani chiedono al sindaco, Don Emilio, di poter riassestare il vecchio castello per riadattarlo a convento; il sindaco dà il consenso e tutta la popolazione aiuta i tre frati nell'intento. Dopo poco tempo il convento è costruito ed inaugurato.
Una mattina però, il frate portinaio trova alla porta un cestino con dentro un neonato che piange, poiché ha fame e sete; i frati lo battezzano e gli danno il nome di Marcellino, poiché è il giorno di San Marcellino. I frati vorrebbero affidarlo a qualche famiglia, ma nessuno è in grado di mantenere un altro figlio, viste le condizioni di miseria in cui viveva la popolazione spagnola. Marcellino diventa un bambino di cinque anni robusto e forte e tratta tutti e dodici i frati come dodici padri, ma sente molto la mancanza di una figura materna, infatti fa ai frati molte domande sulle mamme.
Portato da un fraticello alla fiera paesana, distrugge la fiera; così il nuovo sindaco, da sempre contrario all'opera di bene fatta da Don Emilio, emette uno sfratto ai danni dei frati. Un giorno Marcellino, disubbidendo a frate Tommaso (chiamato da Marcellino "Fra Pappina"), trova un crocifisso, vedendo che è molto magro immagina che abbia fame e decide di portargli da mangiare e da bere: il crocifisso si anima per ricevere il pasto offerto e gli rivolge anche la parola; avendo trovato nella fretta solo pane e vino, lo dà a Gesù, che lo soprannomina Marcellino Pane e Vino.
Pochi giorni prima dello sfratto Marcellino va a parlare con Gesù delle mamme, ed esprime il desiderio di vedere la sua mamma e dopo anche la Madonna, al che Gesù fa morire Marcellino e lo manda in cielo a conoscere i genitori. Frate Tommaso che aveva visto il miracolo chiama tutti i frati al cospetto del Signore a vedere Gesù che scende dalla croce per far morire (resuscitare) Marcellino per poi risalirvi.
Tutta la gente del paese corre a vedere il miracolo e ogni anno la popolazione si reca sulla tomba di Marcellino Pane e Vino in segno di rispetto.

(Maurizio Crispi) Youth. La giovinezza, ultima fatica di Paolo Sorrentino (2015, nomination "Palma d'Oro", al festival di Cannes 2015) ci trasporta nel mondo della senilità in cui tuttavia gli opposti in qualche misura collidono.
La vecchiaia porta alcune persone, particolarmente dotate a vivere vieppiù nella loro giovinezza che è fatto di ricordi apparteneti al passato ma che può anche arricchirsi di nuove esperienze nel presente.

Siamo in un lussuoso resort climatico a Davos, in Svizzera: un luogo per ricconi e per agiati pensionati che vengono qui di anno in anno per rilassarsi, per fare bagli termali, per sottoporsi a check-out clinici completi e approfonditi, per svagarsi grazie a serate in cui sono programmati spettacoli diversi ed interessanti, per godere dell'ottima e raffinata cucina.

Qui, interagiscono alcuni personaggi, l'ottantenne Fred Ballinger, musicista, direttore d'orchestra e compositore di grande valore, la cui fama "popolare" è legata soprattutto alle sue "Canzoni semplici" e oggi in pensione e deciso a rimanere in questa condizione di "pensionato dello spirito", il coetaneo Mick Boyle un regista hollywoodiano che lavora con il suo staff di creativi alla sceneggiatura di quello che sarà il suo prossimo ed ultimo film ("L'ultimo giorno della mia vita"), che per lui dovrà essere un vero e proprio canto del cigno ed un testamento spirituale, Jimmy Tree un attore quarantenne che vive un singolare ritiro per mettere a punto i dettagli di una parte che gli è stata affidata in un film di imminente realizzazione e per calarsi meglio nel personaggio che dovrà interpretare.

E, naturalmente, attorno a questi due tre personaggi-chiave ruota una miriade di altri che, in un modo o nell'altro, ai tre vengono a legarsi, a volte anche solo come oggetti della loro osservazione disincantata, ironica, a volte tragica oppure come veicoli di rappresentazione allegorica di aspetti dell'esistenza.

I due meditano sulla vecchiaia, sul senso della loro amicizia cinquantennale. E sono, tra l'altro, legati da un vincolo di parentela acquisita, visto che Julian, figlio del cineasta, ha sposato Lena, figlia del musicista, con la complicazione di una rottura del matrimonio tra i due, scoppiata all'improvviso come un temporale a ciel sereno: ma le tempeste emozionali sono terreno fertile per il cambiamento e stimolano una riflessione coraggiosa sui temi portanti della propria vita. E le loro conversazioni oscillano di continuo tra le miserie della vecchiaia (epitomizzate nelle gocce di pipì che ciascuno di loro riesce a spillare faticosamente ogni giorno) e la nobiltà dei loro creazioni artistiche del passato (Ballinger) o degli sforzi nel presente di dare vita ad una grande opera (Boyle).

Parlano, passeggiano, si confessano reciprocamente piccoli segreti e dichiarano le loro riflessioni sul mondo, dicendo dei loro sogni e dei loro turbamenti.

Il tutto avviene in un montaggio frammentario ed onirico, in cui alla lentezza infinita della vita quotidiana infarcita di momenti rituali e "curativi", di conversazioni vacue o profonde, di rievocazioni, si contrappongono improvvise velocizzazioni e caleidoscopici, rutilanti, inserti, sprazzi d'una percezione che si rifà vivace e acuta o dell'emergere di inquietudini interiori.

Il distacco dal mondo, realizzato nel lussuoso hotel, che, atratti, sembra assumere i connotati di un universo concentrazionario ed omologante (con un'apparenza di "dorata prigione"), viene turbato dal fatto che un emissario della regina d'Inghilterra, Elisabetta, raggiunge Ballinger nel suo isolamento volontario per rappresentargli la volontà della Regina che, in occasione del compleanno del consorte Filippo, Duca di Edimburgo, Ballinger torni a dirigere a Buckingham Palace un'orchestra e un famoso soprano per mettere in scena proprio il repertorio delle sue "Canzoni Semplici".

Ballinger, dopo molti ed intransigenti rifiuti, finisce per accettare, una volta che riesce a dissipare i "motivi personali" che lo spingerebbero a non tornare a dirigere, specie per mettere in scena le "canzoni semplici": e dietro di essi si nasconde una tragica verità.

Vi è una lunga - a volte estenuante - riflessione sulla vecchiaia e sui limiti che un corpo vecchio ed imbruttito impone allo spirito, nel confronto con corpi giovani e sinuosi, o conmenti flessibili e ancora non nel pieno della loro potenzialità creativa: a questo riguardo, è emblematica la condizione di quello che un tempo fu un grande sportivo, ora ospite in incognito del Centro termale, che - con grande fatica e mentre non è visto da nessuno - si lancia in una sperimentazioni di virtuosismi con una pallina da tennis, rivelando che un tempo dietro la massiccia obesità e il grottesco ventre rigonfio a dismisura, si nasconde il grande calciatore di un tempo (non saprei: ma questo personaggio mi ha fatto pensare a Diego Armando Maradona: e, in effetti, vuole essere un rimando proprio a lui, benchè si tratti solo di un sosia!).

Irriconoscibile, obeso, costretto a camminare con un bastone, compare di tanto in tanto in momenti che sono vere e proprie chicche talvolta addirittura comiche. A un certo punto si rivolge a un bambino che suona il violino con la mano sinistra dicendogli: "Anche io sono mancino".
Il commento del suo dirimpettaio è: "Ma, cavolo, tutto il mondo sa che siete mancino...!". 
Sorrentino, da sempre innamorato calcisticamente di Maradona, leader del suo Napoli che ha vinto tutto nell'era Ferlaino, dopo avergli dedicato l'Oscar, lo ha voluto omaggiare in "Youth" e non poteva perdere l'occasione per farlo esibire in un palleggio: l'ex campione, in boxer, enorme, obeso, che si regge a malapena in piedi, si esibisce con una palla da tennis.

Nell'atmosfera rarefatta che si respira nel Centro termale si intravede l'estraniamento dal mondo de "La Montagna incantata" di Thomas Mann (non è un caso che lo Schatzalp Hotel di Davos sia lo stesso citato da Mann nel suo romanzo) , in cui il rifugio di cura viene rappresentato come una sorta di limbo in cui si è confinati, rispetto al mondo e dove tutto rimane come sospeso: un isolamento che, per un tragico paradosso, è in realtà volontario e autoinflitto, in sostanza un'autoreclusione.

Ma, nella storia, c'è anche il potere vivificante della "giovinezza" come "ricordo" che si allontana nel passato sempre più distante e irraggiungibile, ma che talvolta sdi manifesta nella freschezza di una risata, in un improvviso guizzo ironico o nella battuta salace che è la giovinezza ancora presente in un corpo vecchio e stanco.

E, sopratutto, vi si ritrova il potere altrettanto rigenerante - e direi anche trasfigurante - dell'arte e della bellezza, quando si entra di nuovo nello stato d'animo in cui si può tornare a ripetere per la gioia degli altri un atto creativo che vivifica gli altri astanti, ma che, abbattendo straficazioni di cinismo, di indifferenza, di barriere contro il dolore, torna a vivificare e ad accendere l'animo dell'artista che un tempo ha creato e che adesso si è messo - per così dire - in pensione.

L'idea è che anche nel percorso di senescenza si possano attivare dei percorsi formativi e trasformativi e che la vitalità possa rimettersi in moto sulla base di riaccensioni emozionali e sanamente narcisistiche, oppure con la rimozione di blocchi che hanno portato ad una forma di auto-mortificazione dello spirito.

Il giovane attore Jimmy Tree, come anche la figlia di Ballinger Lena, sono i rappresentanti della giovinezza perduta, ma anche i testimoni della capacità creativa della generazione che li ha preceduti oltre che la ragione di essere di padri e madri che si sono impegnati, in passato, in un gesto creativo.

L'espressività artistica rimane sempre come un bagaglio universale e è un dovere morale poterla perpetuare e soprattutto rappresentare: l'artista, qualunque sia la modalità artistica che egli predilige, ha bisogno di un suo pubblico per dare vigore e vitalità alle proprie opere.

Non si possono non apprezzare un grandissimo Michael Caine nei panni di Ballinger e un altrettanto grande Harvey Keitel (Mick Boyle), ma anche l'interpretazione di Paul Dano, nei panni dell'attore "trasformista" che per interpretare un personaggio deve perdere se stesso, salvo al limite a rifiutarsi di essere altro da sé: non recitare più per tornare ad essere se stesso. Per non parlare della parte cameo di Jane Fonda nei panni dell'attrice di successo Brenda Morel.
Efficace, evocativa, pertinente, a tratti emozionante la colonna sonora, curata da David Lang, che - per tutta la durata del film accompagna lo spettatore/lettore in un'ampia gamma di cromatismi emozionali che oscillano dai tributi alla moderna musica pop alle forme eccelse, per quanto esplorative, di classicità.

Le riprese di Youth. La giovinezza sono avvenute nel 2014 principalmente a Flims e Davos in Svizzera, con alcune scene girate in Italia (Roma e Venezia) e Regno Unito (Londra).

A dicembre, mentre era in corso il montaggio, il teaser è stato mostrato in anteprima alle Giornate Professionali di Cinema di Sorrento.

Lo Schatzalp Hotel di Davos è lo stesso citato da Thomas Mann nell'opera La montagna incantata.[4]
Il film è prodotto da Nicola Giuliano, Francesca Cima e Carlotta Calori e co-prodotto da Indigo Film, Pathé, Bis Films, RSI, C-Film, Number 9 Films e Medusa Film.
L'uscita del film nelle sale cinematografiche è stata fissata per il 20 maggio 2015, a due anni esatti dall'uscita del precedente film di Sorrentino, La grande bellezza.
Youth. La giovinezza è il secondo film girato da Sorrentino direttamente in Inglese, dopo This must be the Place.

(Maurizio Crispi) Focus. Niente é come sembra (dei cineasti Glenn Ficcarra e John Requa, USA, 2015) è un bel film, divertente ed agile, sulla frode: uno squarcio sulla vita di un abilissimo truffatore Nicky Spurgeon (Will Smith) e di Jess Barrett (Margot Robbie), una bella donna, talentuosa truffatrice ma che aspira ad essere parte del big game di Nicky .

La frode e l'inganno eretti ad attività lavorativa sono parenti stretti della prestidigitazione.
Truffa (e furto con destrezza) sono delle attività illecite,mentre la prestidigitazione è una forma di spettacolo. Ma entrambe le attività sonoo basate sullo stesso principio o su alcuni principi di base).
Uno di qum/writesti è quello di costringere il tuo interlocutore, cioà colui che dovrà essere ingannato (o fuorviato) a polarizzare la sua attenzione su qualche cosa che tu stai facendo, facendo ritienere che quella sia la cosa importante da guardare, mentre intanto tu, inosservato, porti avanti il trucco principale.
Niente è come appare, dunque. Anche il fatto che ci siano dei complici segreti di cui altri complici nn sanno nulla: per essere credibile il truffatore deve ignorare alcuni pezzi di verità, per potere portare avanti indistirbuto e con efficacia la propria messinscena.

Se hai a che fare con truffatore, le cose non stanno mai nel modo in cui appaiono, ma dietro di essa c'è una verità nascosta che soltanto il truffatore (o il prestigiatore conosce): come del resto attraverso la presentazione di una nutrita serie di celebri casi di truffe e inganni ci mostra nelsuo libro, Domenico Vecchioni.

Non a caso, proprio per queste sue abilità, il celebre Houdini venne più volte chiamato a svolgere corsi di addestramento rivolti agli agenti della Polizia Metropolitana di New York e dei Corpii di Polizia di altre capitali del mondo, poichè da abilissimo prestidigitatore e da escapista egli era in grado di insegnare le tecniche base utilizzate dai truffatori e le loro abilità nascoste per metter ein atto eventuali fughe.

Il film si presenta con una serie di rocambelesche e divertenti sequenze in cui inganni e frodi vengono perpetrati in una realtàparallelaa quella in cui si muovono poliziotti e tutori della legge. Nicky e la sua banda sono abilissimi e non si fanno mai pizzicare: e poi che importa quando le frodi più succulente, quelle che si muovono negli scenari frequentati dai grandi ricconi, sono a carico di vilain i cui capitali sono stati accumulati in maniere poco ortodosse?

Il film sembra darci la lezione morale che il delitto in alcuni casi paga.

L'importante è fare in modo che assomigli sempre a qualcosa d'altro e che possa diventare - se è lecito usare questa espressione - una forma d'arte.
In fondo, è tutto qui il segreto del fascino del "ladro gentiluomo", che venne per la prima volta incarnato da Arsenio Lupin.
 

Scheda del film

Un film di Glenn Ficarra, John Requa.

Interpreti principali: Will Smith, Margot Robbie, Rodrigo Santoro, Gerald McRaney, B.D. Wong., Adrian Martinez, Laura Flannery, Stephanie Honore, Griff Furst, Dominic Fumusa, Candice Michele Barley, Don Yesso, Brennan Brown, Joe Chrest, Olga Wilhelmine, Han Soto, Stephanie McIntyre, Kate Adair, David Jensen

Titolo originale Focus.

Genere: Thriller,

Ratings: Kids+13

Durata 104 min. Origini:

USA 2015. - Warner Bros Italia